Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch |
Compositeurs

Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch |

Dmitri Chostakovitch

Date de naissance
25.09.1906
Date de décès
09.08.1975
Profession
compositeur
Pays
l'URSS

D. Chostakovitch est un classique de la musique du XVIe siècle. Aucun de ses grands maîtres n'a été si étroitement lié au destin difficile de son pays natal, n'a pu exprimer les contradictions criardes de son temps avec tant de force et de passion, l'évaluer avec un jugement moral sévère. C'est dans cette complicité du compositeur dans la douleur et les troubles de son peuple que réside le sens principal de sa contribution à l'histoire de la musique au siècle des guerres mondiales et des bouleversements sociaux grandioses, que l'humanité n'avait pas connu auparavant.

Chostakovitch est par nature un artiste au talent universel. Il n'y a pas un seul genre où il n'ait dit son mot de poids. Il est entré en contact étroit avec le genre de musique qui était parfois traité avec arrogance par des musiciens sérieux. Il est l'auteur d'un certain nombre de chansons reprises par le grand public, et à ce jour de ses brillantes adaptations de la musique populaire et du jazz, qu'il affectionnait particulièrement à l'époque de la formation du style - dans les années 20- 30 ans, délice. Mais le principal domaine d'application des forces créatrices pour lui était la symphonie. Non pas parce que d'autres genres de musique sérieuse lui étaient complètement étrangers - il était doté d'un talent inégalé en tant que compositeur véritablement théâtral, et le travail dans le cinéma lui fournissait le principal moyen de subsistance. Mais la réprimande grossière et injuste infligée en 1936 dans l'éditorial du journal Pravda sous le titre "Muddle au lieu de musique" le découragea longtemps de s'engager dans le genre de l'opéra - les tentatives faites (l'opéra "Players" de N. Gogol) est resté inachevé et les plans ne sont pas passés au stade de la mise en œuvre.

C'est peut-être précisément ce sur quoi les traits de personnalité de Chostakovitch ont eu un effet - par nature, il n'était pas enclin à ouvrir des formes d'expression de protestation, il cédait facilement à des non-entités obstinées en raison de son intelligence particulière, de sa délicatesse et de son absence de défense contre l'arbitraire grossier. Mais ce n'était que dans la vie - dans son art, il était fidèle à ses principes créatifs et les affirmait dans le genre où il se sentait complètement libre. Par conséquent, la symphonie conceptuelle est devenue au centre des recherches de Chostakovitch, où il pouvait dire ouvertement la vérité sur son temps sans compromis. Cependant, il n'a pas refusé de participer à des entreprises artistiques nées sous la pression d'exigences strictes pour l'art imposées par le système commando-administratif, comme le film de M. Chiaureli "La Chute de Berlin", où l'éloge effréné de la grandeur et la sagesse du "père des nations" a atteint l'extrême limite. Mais la participation à ce genre de monuments cinématographiques, ou à d'autres œuvres, parfois même talentueuses, déformant la vérité historique et créant un mythe agréable à la direction politique, n'a pas protégé l'artiste des représailles brutales commises en 1948. Le principal idéologue du régime stalinien , A. Zhdanov, a répété les attaques brutales contenues dans un vieil article du journal Pravda et a accusé le compositeur, ainsi que d'autres maîtres de la musique soviétique de l'époque, d'adhérer au formalisme anti-peuple.

Par la suite, lors du «dégel» de Khrouchtchev, ces accusations ont été abandonnées et les œuvres exceptionnelles du compositeur, dont l'exécution publique a été interdite, ont trouvé leur chemin jusqu'à l'auditeur. Mais le drame du destin personnel du compositeur, qui a survécu à une période de persécution injuste, a laissé une empreinte indélébile sur sa personnalité et déterminé l'orientation de sa quête créative, adressée aux problèmes moraux de l'existence humaine sur terre. C'était et reste la principale chose qui distingue Chostakovitch parmi les créateurs de musique du XNUMXe siècle.

Son chemin de vie n'a pas été riche en événements. Après avoir obtenu son diplôme du Conservatoire de Leningrad avec un début brillant - la magnifique Première Symphonie, il a commencé la vie d'un compositeur professionnel, d'abord dans la ville sur la Neva, puis pendant la Grande Guerre patriotique à Moscou. Son activité de professeur au conservatoire est relativement brève – il le quitte contre son gré. Mais à ce jour, ses élèves ont conservé la mémoire du grand maître, qui a joué un rôle décisif dans la formation de leur individualité créative. Déjà dans la Première Symphonie (1925), deux propriétés de la musique de Chostakovitch sont clairement perceptibles. L'un d'eux s'est reflété dans la formation d'un nouveau style instrumental avec sa facilité inhérente, la facilité de concurrence des instruments de concert. Une autre s'est manifestée dans un désir persistant de donner à la musique la signification la plus élevée, de révéler un concept profond de signification philosophique au moyen du genre symphonique.

Beaucoup d'œuvres du compositeur qui ont suivi un début aussi brillant reflétaient l'atmosphère agitée de l'époque, où le nouveau style de l'époque s'est forgé dans la lutte d'attitudes contradictoires. Ainsi, dans les deuxième et troisième symphonies («octobre» - 1927, «1929er mai» - 20), Chostakovitch a rendu hommage à l'affiche musicale, ils ont clairement montré l'influence de l'art martial et de la propagande des années 1928. (Ce n'est pas un hasard si le compositeur y a inclus des fragments de chœur de poèmes de jeunes poètes A. Bezymensky et S. Kirsanov). Dans le même temps, ils ont également montré une théâtralité vive, qui a tant captivé dans les productions de E. Vakhtangov et Vs. Meyerhold. Ce sont leurs performances qui ont influencé le style du premier opéra de Chostakovitch Le Nez (XNUMX), basé sur la célèbre histoire de Gogol. De là vient non seulement la satire aiguë, la parodie, atteignant le grotesque dans la représentation de personnages individuels et les crédules, paniqués rapidement et prompts à juger la foule, mais aussi cette intonation poignante de "rire à travers les larmes", qui nous aide à reconnaître une personne. même dans une nullité aussi vulgaire et délibérée, comme le major Kovalev de Gogol.

Le style de Chostakovitch a non seulement absorbé les influences émanant de l'expérience de la culture musicale mondiale (ici les plus importantes pour le compositeur étaient M. Moussorgski, P. Tchaïkovski et G. Mahler), mais a également absorbé les sons de la vie musicale d'alors - qui généralement culture accessible du genre « léger » qui dominait l'esprit des masses. L'attitude du compositeur à son égard est ambivalente – il exagère parfois, parodie les tournures caractéristiques des chansons et des danses à la mode, mais en même temps les ennoblit, les élève aux sommets de l'art véritable. Cette attitude est particulièrement prononcée dans les premiers ballets L'Âge d'or (1930) et Le Verrou (1931), dans le Premier Concerto pour piano (1933), où la trompette solo devient une digne rivale du piano avec l'orchestre, et plus tard dans le scherzo et le finale des Sixième symphonies (1939). Virtuosité éclatante, excentricités impudentes se conjuguent dans cette composition aux paroles sincères, étonnant naturel du déploiement de la mélodie « sans fin » dans la première partie de la symphonie.

Et enfin, on ne peut manquer de mentionner l'autre versant de l'activité créatrice du jeune compositeur – il a travaillé dur et dur dans le cinéma, d'abord comme illustrateur pour la démonstration de films muets, puis comme l'un des créateurs de films sonores soviétiques. Sa chanson du film "Oncoming" (1932) a gagné en popularité dans tout le pays. Parallèlement, l'influence de la « jeune muse » affecte également le style, le langage et les principes de composition de ses compositions concerto-philharmoniques.

La volonté d'incarner les conflits les plus aigus du monde moderne avec ses bouleversements grandioses et ses féroces affrontements de forces opposées se retrouve surtout dans les œuvres capitales du maître de la période des années 30. Une étape importante sur cette voie a été l'opéra Katerina Izmailova (1932), basé sur l'intrigue de l'histoire de N. Leskov, Lady Macbeth du district de Mtsensk. À l'image du personnage principal, une lutte interne complexe se révèle dans l'âme d'une nature entière et richement douée à sa manière - sous le joug des « abominations de plomb de la vie », sous le pouvoir d'aveugles et de déraisonnables. passion, elle commet des crimes graves, suivis de châtiments cruels.

Cependant, le compositeur a obtenu le plus grand succès dans la Cinquième Symphonie (1937), la réalisation la plus importante et la plus fondamentale dans le développement de la symphonie soviétique dans les années 30. (un tournant vers une nouvelle qualité de style a été esquissé dans la Quatrième Symphonie écrite plus tôt, mais alors non sonnée - 1936). La force de la Cinquième Symphonie réside dans le fait que les expériences de son héros lyrique se révèlent au plus près de la vie des hommes et, plus largement, de l'humanité tout entière à la veille du plus grand choc jamais vécu par les peuples du monde – la Seconde Guerre mondiale. Cela a déterminé le drame accentué de la musique, son expression accrue inhérente - le héros lyrique ne devient pas un contemplateur passif dans cette symphonie, il juge ce qui se passe et ce qui est à venir avec le plus haut tribunal moral. Dans l'indifférence au sort du monde, la position citoyenne de l'artiste, l'orientation humaniste de sa musique, s'en ressent également. Cela se ressent dans un certain nombre d'autres œuvres appartenant aux genres de la créativité instrumentale de chambre, parmi lesquelles se distingue le Quintette avec piano (1940).

Pendant la Grande Guerre patriotique, Chostakovitch est devenu l'un des premiers rangs des artistes - combattants contre le fascisme. Sa Septième Symphonie («Leningrad») (1941) a été perçue dans le monde entier comme la voix vivante d'un peuple combattant, qui s'est engagé dans une lutte à mort au nom du droit à l'existence, pour la défense de la plus haute dignité humaine. valeurs. Dans cette œuvre, comme dans la Huitième Symphonie postérieure (1943), l'antagonisme des deux camps opposés trouve une expression directe et immédiate. Jamais auparavant dans l'art de la musique les forces du mal n'avaient été représentées de manière aussi vivante, jamais auparavant la mécanicité ennuyeuse d'une «machine de destruction» fasciste travaillant activement n'avait été exposée avec une telle fureur et passion. Mais les symphonies « militaires » du compositeur (ainsi que dans un certain nombre de ses autres œuvres, par exemple, dans le Trio avec piano à la mémoire de I. Sollertinsky – 1944) sont tout aussi bien représentées dans les symphonies « de guerre » du compositeur, les symphonies spirituelles beauté et richesse du monde intérieur d'une personne souffrant des troubles de son temps.

Dmitri Dmitrievitch Chostakovitch |

Dans les années d'après-guerre, l'activité créatrice de Chostakovitch s'est développée avec une vigueur renouvelée. Comme auparavant, la ligne directrice de ses recherches artistiques est présentée dans des toiles symphoniques monumentales. Après la Neuvième (1945) un peu allégée, sorte d'intermezzo, qui n'est pourtant pas sans échos clairs de la guerre qui vient de s'achever, le compositeur crée l'inspirante Dixième Symphonie (1953), qui soulève le thème du destin tragique de la artiste, la haute mesure de sa responsabilité dans le monde moderne. Cependant, le nouveau était en grande partie le fruit des efforts des générations précédentes - c'est pourquoi le compositeur était si attiré par les événements d'un tournant dans l'histoire russe. La révolution de 1905, marquée par le dimanche sanglant du 9 janvier, prend vie dans la monumentale Onzième Symphonie programmatique (1957), et les réalisations du vainqueur de 1917 ont inspiré Chostakovitch à créer la Douzième Symphonie (1961).

Des réflexions sur le sens de l'histoire, sur la signification des actes de ses héros, se sont également reflétées dans le poème vocal-symphonique en une partie «L'exécution de Stepan Razin» (1964), basé sur un fragment de E. Yevtushenko poème "La centrale hydroélectrique de Bratsk". Mais les événements de notre époque, provoqués par des changements drastiques dans la vie des gens et dans leur vision du monde, annoncés par le XX Congrès du PCUS, n'ont pas laissé indifférent le grand maître de la musique soviétique - leur souffle vivant est palpable au XIIIe Symphonie (1962), également écrite sur les paroles de E. Yevtushenko. Dans la Quatorzième Symphonie, le compositeur se tourne vers les poèmes de poètes de diverses époques et peuples (FG Lorca, G. Apollinaire, W. Kuchelbecker, RM Rilke) – il est attiré par le thème de la fugacité de la vie humaine et de l'éternité de des créations d'art véritable, devant lesquelles même la mort souveraine. Le même thème a servi de base à l'idée d'un cycle vocal-symphonique basé sur des poèmes du grand artiste italien Michelangelo Buonarroti (1974). Et enfin, dans la dernière, la Quinzième Symphonie (1971), les images de l'enfance reprennent vie, recréées sous le regard d'un créateur sage dans la vie, qui a appris à connaître une mesure vraiment incommensurable de la souffrance humaine.

Malgré toute l'importance de la symphonie dans l'œuvre d'après-guerre de Chostakovitch, elle est loin d'épuiser tout ce que le compositeur a créé de plus significatif au cours des trente dernières années de sa vie et de son parcours créatif. Il a accordé une attention particulière aux genres de concert et de musique de chambre. Il a créé 2 concertos pour violon (1948 et 1967), deux concertos pour violoncelle (1959 et 1966) et le deuxième concerto pour piano (1957). Les meilleures œuvres de ce genre incarnent des concepts profonds de signification philosophique, comparables à ceux exprimés avec une force si impressionnante dans ses symphonies. La netteté de la collision entre le spirituel et le non-spirituel, les plus hautes impulsions du génie humain et l'assaut agressif de la vulgarité, la primitivité délibérée est palpable dans le Deuxième concerto pour violoncelle, où un simple motif de « rue » est transformé au-delà de toute reconnaissance, exposant son essence inhumaine.

Cependant, tant en concert qu'en musique de chambre, la virtuosité de Chostakovitch se révèle dans la création de compositions qui ouvrent la voie à la libre concurrence entre les musiciens. Ici, le genre principal qui a attiré l'attention du maître était le quatuor à cordes traditionnel (il y a autant d'écrits par le compositeur que de symphonies - 15). Les quatuors de Chostakovitch surprennent par une variété de solutions allant des cycles en plusieurs parties (onzième – 1966) aux compositions en un seul mouvement (treizième – 1970). Dans plusieurs de ses œuvres de chambre (dans le Huitième Quatuor – 1960, dans la Sonate pour alto et piano – 1975), le compositeur reprend la musique de ses compositions précédentes en lui donnant une nouvelle sonorité.

Parmi les œuvres d'autres genres, on peut citer le cycle monumental de Préludes et Fugues pour piano (1951), inspiré des fêtes de Bach à Leipzig, l'oratorio Le Chant des forêts (1949), où pour la première fois dans la musique soviétique le thème de la responsabilité humaine pour la préservation de la nature autour de lui a été soulevé. Vous pouvez également citer Ten Poems for choir a cappella (1951), le cycle vocal « From Jewish Folk Poetry » (1948), des cycles sur des poèmes des poètes Sasha Cherny (« Satires » – 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

Le travail au cinéma s'est poursuivi dans les années d'après-guerre - la musique de Chostakovitch pour les films "The Gadfly" (basé sur le roman d'E. Voynich - 1955), ainsi que pour les adaptations des tragédies de Shakespeare "Hamlet" (1964) et "King Lear" (1971) est devenu largement connu. ).

Chostakovitch a eu un impact significatif sur le développement de la musique soviétique. Cela ne s'est pas tant exprimé dans l'influence directe du style du maître et des moyens artistiques qui le caractérisent, mais dans le désir d'un contenu musical élevé, son lien avec les problèmes fondamentaux de la vie humaine sur terre. Humaniste dans son essence, véritablement artistique dans sa forme, l'œuvre de Chostakovitch a acquis une reconnaissance mondiale, est devenue une expression claire de la nouveauté que la musique du Pays des Soviets a apportée au monde.

M. Tarakanov

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