Dmitri Bachkirov (Dmitri Bachkirov) |
Pianistes

Dmitri Bachkirov (Dmitri Bachkirov) |

Dmitri Bachkirov

Date de naissance
01.11.1931
Profession
pianiste, professeur
Pays
Russie, URSS

Dmitri Bachkirov (Dmitri Bachkirov) |

Beaucoup de jeunes musiciens qui se sont rencontrés au début des années cinquante au Conservatoire de Moscou se souviennent probablement de la première apparition dans les couloirs de la classe d'un jeune homme basané et mince aux mouvements impétueux et aux expressions faciales vives sur un visage mobile et expressif. Son nom était Dmitry Bashkirov, ses camarades ont rapidement commencé à l'appeler simplement Delik. On savait peu de choses sur lui. On a dit qu'il était diplômé de l'école de musique de dix ans de Tbilissi sous Anastasia Davidovna Virsaladze. Une fois, à l'un des examens, Alexander Borisovich Goldenweiser l'a entendu – il a entendu, a été ravi et lui a conseillé de terminer ses études dans la capitale.

Le nouvel élève de Goldenweiser était très talentueux; en le regardant - une personne émotive directe et rare - ce n'était pas difficile à remarquer : avec tant de passion et d'altruisme, avec un don de soi aussi généreux, seules les natures vraiment douées peuvent réagir à l'environnement comme lui...

Dmitry Aleksandrovich Bashkirov est devenu largement connu en tant que concertiste au fil des ans. En 1955, il reçoit le Grand Prix du concours M. Long – J. Thibault à Paris ; cela a lancé sa carrière sur scène. Il a maintenant des centaines de représentations derrière lui, il a été applaudi à Novossibirsk et Las Palmas, Chisinau et Philadelphie, dans les petites villes de la Volga et les grandes salles de concert de renommée mondiale. Le temps a beaucoup changé dans sa vie. Encore moins dans son caractère. Lui, comme avant, est impulsif, comme si le vif-argent était changeant et rapide, à chaque minute il est prêt à se laisser emporter par quelque chose, à prendre feu…

Les propriétés de la nature bachkir, qui ont été mentionnées, sont clairement visibles dans son art. Les couleurs de cet art ne se sont pas fanées et fanées au fil des ans, n'ont pas perdu leur richesse, leur intensité, leur iridescence. Le pianiste joue, comme avant, excité; sinon, comment pourrait-elle s'inquiéter ? Peut-être n'y avait-il pas lieu de reprocher à l'artiste Bachkirov l'indifférence, l'apathie spirituelle, la satiété face à la recherche créative. Pour cela, il est trop agité en tant que personne et artiste, brûlant constamment d'une sorte de feu intérieur inextinguible. Cela peut être la raison de certains de ses échecs sur scène. Sans aucun doute, d'autre part, c'est précisément d'ici, de l'agitation créatrice et de la plupart de ses réalisations.

Dans les pages de la presse critique musicale, Bashkirov est souvent qualifié de pianiste romantique. En effet, il représente clairement moderne le romantisme. (VV Sofronitsky, parlant avec V. Yu. Delson, a laissé tomber: "Après tout, il y a aussi le romantisme moderne, et pas seulement le romantisme du XNUMXe siècle, êtes-vous d'accord?" (Mémoires de Sofronitsky. S. 199.)). Quel que soit le compositeur qu'interprète Bashkirov – Bach ou Schumann, Haydn ou Brahms – il ressent la musique comme si elle avait été créée aujourd'hui. Pour les spectateurs de son genre, l'auteur est toujours un contemporain : ses sentiments sont vécus comme les siens, ses pensées deviennent les siennes. Il n'y a rien de plus étranger à ces spectateurs que la stylisation, la « représentation », un faux pour archaïque, une démonstration d'une relique muséale. C'est une chose : la sensation musicale de l'artiste our ère, de notre jours. Il y a autre chose, qui nous permet aussi de parler de Bashkirov comme d'un représentant typique des arts de la scène contemporains.

Il a un pianisme précis et magistralement travaillé. On croyait autrefois que la musique romantique est une impulsion débridée, des explosions spontanées de sentiments, une extravagance de spots sonores aux couleurs vives, quoique quelque peu informes. Les connaisseurs écrivent que les artistes romantiques gravitent vers « le vague, l'irisé, l'illisible et le brumeux », qu'ils sont « loin du dessin de bijoux de bagatelles » (Martins KA Technique de piano individuel. – M., 1966. S. 105, 108.). Maintenant, les temps ont changé. Les critères, les jugements, les goûts ont été modifiés. A l'ère de l'enregistrement inexorablement strict du gramophone, des émissions de radio et de télévision, les « nébuleuses » sonores et le « flou » ne sont pardonnés à personne, à personne et en aucune circonstance. Bashkirov, un romantique de nos jours, est moderne, entre autres, par le "fait" soigné de son appareil scénique, le débogage habile de tous ses détails et liens.

C'est pourquoi sa musique est bonne, exigeant une complétude inconditionnelle de la décoration extérieure, « dessin de bijoux de bagatelles ». La liste de ses succès d'interprétation est ouverte par des choses telles que les préludes de Debussy, les mazurkas de Chopin, "Fleeting" et la quatrième sonate de Prokofiev, "Colored Leaves" de Schumann, Fantasia et la nouvelle en fa dièse mineur, beaucoup de Schubert, Liszt, Scriabin, Ravel . Il y a beaucoup de choses intéressantes qui attirent les auditeurs dans son répertoire classique – Bach (concerto en fa mineur), Haydn (sonate en mi bémol majeur), Mozart (concerts : Neuvième, Quatorzième, Dix-septième, Vingt-quatrième), Beethoven (sonates : « Lunaire », « Pastorale », XVIIIe, concerts : Première, Troisième, Cinquième). En un mot, tout ce qui gagne dans la transmission scénique de Bashkirov, c'est là où au premier plan se trouve un motif sonore élégant et clair, une élégante poursuite de la texture instrumentale.

(Auparavant, il a été dit que ceux qui jouent du piano, comme les peintres, utilisent différentes techniques d '«écriture»: certaines comme un crayon sonore aiguisé, d'autres comme la gouache ou l'aquarelle, et d'autres encore comme les peintures à l'huile lourdes. Bashkirov est souvent associé avec un pianiste-graveur : fine trame sonore sur un fond émotionnel lumineux…)

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Comme beaucoup de gens vraiment doués, Bashkirov se trouve être changé par le bonheur créatif. Il sait faire son autocritique : « Je pense que j'ai réussi cette pièce, entend-on de lui après le concert, mais celle-ci ne l'est pas. L'excitation a gêné… Quelque chose a « changé », s'est avéré être « flou » – pas comme prévu. On sait que l'excitation interfère avec tout le monde - débutants et maîtres, musiciens, acteurs et même écrivains. « La minute où je suis moi-même le plus excité n'est pas celle où je peux écrire des choses qui touchent le spectateur », admettait Stendhal ; il est repris en cela par de nombreuses voix. Et pourtant, pour certains, l'excitation est semée d'obstacles et de troubles importants, pour d'autres, moins. Les natures facilement excitables, nerveuses et expansives ont plus de mal.

Dans les moments de grande excitation sur scène, Bashkirov, malgré sa volonté, accélère la performance, tombe dans une certaine excitation. Cela se produit généralement au début de ses performances. Peu à peu, cependant, son jeu devient normal, les formes sonores gagnent en clarté, les lignes – confiance et précision ; avec une oreille avertie, on peut toujours saisir quand un pianiste parvient à faire tomber une vague d'anxiété scénique excessive. Une expérience intéressante a été mise en place par hasard lors d'une des soirées de Bashkirov. Il a joué la même musique deux fois de suite – la finale du quatorzième concerto pour piano de Mozart. La première fois – un peu hâtivement et avec enthousiasme, la seconde (pour un rappel) – plus sobre dans le rythme, avec plus de calme et de maîtrise de soi. Il était intéressant d'observer comment la situationmoins d'excitation“a transformé le jeu, a donné un résultat artistique différent et supérieur.

Les interprétations de Bashkirov ont peu en commun avec les pochoirs habituels, des échantillons de performance familiers ; c'est leur avantage évident. Ils peuvent être (et sont) controversés, mais pas incolores, trop subjectifs, mais pas insipides. Aux concerts de l'artiste, il est presque impossible de rencontrer des gens indifférents, on ne lui adresse pas ces louanges polies et insignifiantes qui sont généralement accordées à la médiocrité. L'art de Bashkirov est soit accepté chaleureusement et avec enthousiasme, soit, avec non moins de ferveur et d'intérêt, ils discutent avec le pianiste, en désaccord avec lui à certains égards et en désaccord avec lui. En tant qu'artiste, il connaît bien « l'opposition » créative ; en principe, cela peut et doit être crédité.

Certains disent: dans le jeu de Bashkirov, disent-ils, il y a beaucoup d'extérieurs; il est parfois théâtral, prétentieux… Probablement, dans de telles déclarations, outre des différences de goûts bien naturelles, il y a une méconnaissance de la nature même de son jeu. Est-il possible de ne pas tenir compte des spécificités typologiques de tel ou tel | personnalité? Bashkirov le concertant – telle est sa nature – a toujours effectivement « regardé » de l'extérieur ; brillamment et brillamment révélé à l'extérieur; ce qui serait une démonstration de scène ou un grattage pour un autre, il n'a qu'une expression organique et naturelle de son "moi" créatif. (Le théâtre mondial se souvient de Sarah Bernhardt avec ses manières scéniques presque excentriques, se souvient de la modeste, parfois discrète extérieurement Olga Osipovna Sadovskaya - dans les deux cas, c'était du vrai, du grand art.) mène à un sous-texte lointain, presque indiscernable. Si nous devons prendre la position d'un critique, alors plutôt à une occasion différente.

Oui, l'art du pianiste donne au public des émotions ouvertes et fortes. Grande qualité! Sur scène, on en rencontre souvent un manque plutôt qu'un excès. (Habituellement, ils "échouent" dans la manifestation des sentiments, et non l'inverse.) Cependant, dans ses états psychologiques - excitation extatique, impulsivité, etc. - Bashkirov était parfois, du moins plus tôt, quelque peu uniforme. On peut citer à titre d'illustration son interprétation de la sonate en si bémol mineur de Glazounov : elle manquait d'épopée, d'ampleur. Ou le Deuxième Concerto de Brahms – derrière le feu d'artifice éblouissant des passions, ces dernières années, la réflexion introspective de l'artiste ne s'y faisait pas toujours sentir. Des interprétations de Bashkirov, il y avait une expression brûlante, un courant de haute tension nerveuse. Et l'auditeur commençait parfois à éprouver un besoin de modulations vers d'autres tonalités émotionnelles plus lointaines, vers d'autres sphères de sentiments plus contrastées.

Cependant, en parlant maintenant de tout à l'heure l'ancien. Les personnes qui connaissent bien les arts de la scène de Bashkirov trouvent constamment en lui des changements, des changements et des transformations artistiques intéressantes. Soit on peut voir la sélection du répertoire de l'artiste plus précise, soit des méthodes d'expressivité jusque-là inconnues sont révélées (ces dernières années, par exemple, les parties lentes des cycles de sonates classiques ont semblé particulièrement propres et émouvantes). Sans aucun doute, son art s'enrichit de nouvelles découvertes, de nuances émotionnelles plus complexes et variées. On le voit notamment dans l'interprétation par Bashkirov des concertos de KFE, Fantaisie et Sonate en ut mineur de Mozart, version pour piano du Concerto pour violon, op. 1987 de Beethoven, etc.)

* * *

Bashkirov est un grand causeur. Il est naturellement curieux et curieux; il s'intéresse à beaucoup de choses; aujourd'hui, comme dans sa jeunesse, il regarde de près tout ce qui touche à l'art, à la vie. De plus, Bashkirov sait formuler clairement et clairement ses pensées - ce n'est pas un hasard s'il a publié plusieurs articles sur les problèmes de l'interprétation musicale.

"J'ai toujours dit", a déclaré un jour Dmitri Alexandrovitch dans une conversation, "que dans la créativité scénique, la chose principale et la plus importante est déterminée par l'entrepôt même du talent de l'artiste - son caractéristiques et propriétés personnelles individuelles. C'est à cela que l'approche de l'interprète de certains phénomènes artistiques, l'interprétation d'œuvres individuelles, est liée. Les critiques et une partie du public, parfois, ne tiennent pas compte de cette circonstance - jugeant le jeu de l'artiste de manière abstraite, en fonction de la façon dont il par The J'aimerais entendre la musique jouée. C'est complètement faux.

Au fil des années, je crois généralement de moins en moins à l'existence de certaines formules figées et sans ambiguïté. Par exemple – comment il est nécessaire (ou au contraire pas nécessaire) d'interpréter tel ou tel auteur, tel ou tel essai. La pratique montre que les décisions de performance peuvent être très différentes et tout aussi convaincantes. Bien que cela ne signifie pas, bien sûr, que l'artiste a le droit à la volonté personnelle ou à l'arbitraire stylistique.

Une autre question. Est-il nécessaire au moment de la maturité, ayant 20-30 ans d'expérience professionnelle derrière lui, de jouer du piano ? PLUSque dans la jeunesse ? Ou inversement – ​​est-il plus raisonnable de réduire l'intensité des charges de travail avec l'âge ? Il existe différents points de vue et points de vue à ce sujet. "Il me semble que la réponse ici ne peut être que purement individuelle", estime Bashkirov. « Il y a des interprètes que nous appelons des virtuoses nés ; ils ont certainement besoin de moins d'efforts pour se maintenir en bonne forme physique. Et il y en a d'autres. Ceux à qui on n'a jamais rien donné comme ça, bien sûr, sans effort. Naturellement, ils doivent travailler sans relâche toute leur vie. Et plus tard encore plus que dans la jeunesse.

En fait, je dois dire que parmi les grands musiciens, je n'ai presque jamais rencontré ceux qui, avec les années, avec l'âge, affaibliraient leur exigence envers eux-mêmes. Habituellement, c'est le contraire qui se produit.

Depuis 1957, Bashkirov enseigne au Conservatoire de Moscou. De plus, au fil du temps, le rôle et l'importance de la pédagogie pour lui augmentent de plus en plus. « Dans ma jeunesse, j'ai souvent affiché que, disent-ils, j'avais du temps pour tout, à la fois pour enseigner et pour préparer des concerts. Et que non seulement l'un n'est pas un obstacle pour l'autre, mais peut-être même l'inverse : l'un soutient, renforce l'autre. Aujourd'hui, je ne discuterais pas cela… Le temps et l'âge font toujours leurs propres ajustements – vous ne pouvez pas évaluer quelque chose différemment. Aujourd'hui, j'ai tendance à penser que l'enseignement crée certaines difficultés pour le concert, le limite. Voici un conflit que vous essayez constamment de résoudre et, malheureusement, pas toujours avec succès.

Bien sûr, ce qui a été dit ci-dessus ne signifie pas que je remette en cause la nécessité ou l'opportunité d'un travail pédagogique pour moi. Certainement pas! C'est devenu une partie si importante et intégrale de mon existence qu'il n'y a pas de dilemme à ce sujet. Je ne fais qu'énoncer les faits tels qu'ils sont.

Actuellement, Bashkirov donne environ 55 concerts par saison. Ce chiffre est assez stable pour lui et n'a pratiquement pas changé depuis plusieurs années. « Je sais qu'il y a des gens qui performent beaucoup plus. Je n'y vois rien d'étonnant : chacun a des réserves d'énergie, d'endurance, de force physique et mentale différentes. L'essentiel, je pense, n'est pas combien jouer, mais comment. C'est-à-dire que la valeur artistique des performances est importante avant tout. Car le sentiment de responsabilité pour ce que vous faites sur scène ne cesse de croître.

Aujourd'hui, poursuit Dmitry Aleksandrovich, il est très difficile d'occuper une place digne sur la scène musicale et scénique internationale. Besoin de jouer assez souvent; jouer dans différentes villes et pays; exécuter divers programmes. Et, bien sûr, tout donner. à un niveau professionnel assez élevé. Seulement dans de telles conditions, l'artiste, comme on dit, sera en vue. Bien sûr, pour quelqu'un qui est engagé dans la pédagogie, c'est plus difficile que pour un non-enseignant. Par conséquent, de nombreux jeunes spectateurs ignorent essentiellement l'enseignement. Et quelque part, ils peuvent être compris – étant donné la concurrence toujours croissante dans le monde artistique… »

Revenant à la conversation sur son propre travail pédagogique, Bashkirov dit qu'en général, il s'y sent complètement heureux. Heureux parce qu'il a des élèves, une communication créative avec qui lui a apporté – et continue d'apporter – une grande joie. "Si vous regardez les meilleurs d'entre eux, vous devez admettre que le chemin de la gloire n'a été semé de roses pour personne. S'ils ont réussi quelque chose, c'est surtout grâce à leurs propres efforts. Et la capacité de développement personnel créatif (ce que je considère comme le plus important pour un musicien). Mon viabilité artistique ils l'ont prouvé non pas par le numéro de série à telle ou telle compétition, mais par le fait qu'ils jouent aujourd'hui sur les scènes de nombreux pays du monde.

Je voudrais dire un mot particulier sur certains de mes élèves. Très brièvement. Littéralement en quelques mots.

Dmitri Alekseev. je l'aime bien dedans conflit interneque moi, en tant que professeur, je connais bien. Conflit dans le meilleur sens du terme. Elle n'est peut-être pas très visible à première vue – plutôt cachée que visible, mais elle existe, existe, et c'est très important. Alekseev est clairement conscient de ses forces et de ses faiblesses, il comprend que la lutte entre eux et c'est avancer dans notre métier. Ce mouvement peut s'écouler avec lui, comme avec les autres, de manière fluide et régulière, ou il peut prendre la forme de crises et de percées inattendues dans de nouvelles sphères créatives. Peu importe comment. Il est important que le musicien aille de l'avant. À propos de Dmitry Alekseev, il me semble que cela peut être dit sans crainte de tomber dans l'exagération. Son grand prestige international n'est pas accidentel.

Nikolaï Demidenko. Il y avait une attitude quelque peu condescendante envers lui à un moment donné. Certains ne croyaient pas en son avenir artistique. Que puis-je dire à ce sujet ? On sait que certains interprètes mûrissent plus tôt, plus vite (parfois ils mûrissent même trop vite, comme certains geeks qui s'épuisent momentanément, momentanément), pour d'autres ce processus se déroule plus lentement, plus sereinement. Il leur faut des années pour se développer pleinement, mûrir, se débrouiller seuls, faire ressortir le meilleur qu'ils ont… Aujourd'hui, Nikolay Demidenko a une pratique riche, il joue beaucoup dans différentes villes de notre pays et à l'étranger. Je ne l'entends pas très souvent, mais quand je vais à ses performances, je vois que beaucoup de choses qu'il fait maintenant ne sont plus tout à fait les mêmes qu'avant. Parfois, je ne reconnais presque pas dans son interprétation de ces œuvres que nous avons passées en classe. Et pour moi, en tant qu'enseignant, c'est la plus grande des récompenses...

Sergueï Erokhin. Au VIIIe Concours Tchaïkovski, il figurait parmi les lauréats, mais la situation à ce concours était très difficile pour lui : il venait de se démobiliser des rangs de l'armée soviétique et, naturellement, était loin de sa meilleure forme créative. Dans le temps qui s'est écoulé depuis la compétition, Sergei a remporté, me semble-t-il, un très grand succès. Permettez-moi de vous rappeler au moins son deuxième prix lors d'un concours à Santander (Espagne), à ​​propos duquel l'un des journaux madrilènes influents a écrit: "Les performances de Sergey Erokhin valaient non seulement le premier prix, mais l'ensemble du concours." Bref, je ne doute pas que Sergei ait un brillant avenir artistique. De plus, il est né, à mon avis, non pas pour les concours, mais pour la scène de concert.

Alexandre Bonduryansky. Il se consacre entièrement à la musique de chambre. Pendant plusieurs années, Alexander s'est produit dans le cadre du Trio de Moscou, le cimentant avec sa volonté, son enthousiasme, son dévouement, son dévouement et son grand professionnalisme. Je suis ses activités avec intérêt, je suis convaincu encore et encore à quel point il est important pour un musicien de trouver sa propre voie. J'aimerais penser que le point de départ de l'intérêt de Bonduryansky pour la musique d'ensemble de chambre a été son observation de mon travail de création en commun dans un trio avec I. Bezrodny et M. Khomitser.

Eiro Heinonen. Chez lui, en Finlande, il est l'un des pianistes et professeurs les plus célèbres (il est maintenant professeur à l'Académie Sibelius d'Helsinki). Je me souviens avec plaisir de mes rencontres avec lui.

Dang Thaï Sean. J'ai étudié avec lui lorsqu'il était étudiant diplômé au Conservatoire de Moscou ; l'a rencontré plus tard. J'ai eu des impressions extrêmement agréables des contacts avec Sean - une personne et un artiste. Il est intelligent, intelligent, charmant et incroyablement talentueux. Il fut un temps où il a vécu quelque chose comme une crise : il s'est retrouvé dans un espace clos d'un style unique, et même là il avait parfois l'air peu diversifié et multiforme… Sean a largement surmonté cette période de crise ; la profondeur de la pensée performative, l'ampleur des sentiments, le drame apparu dans son jeu… Il a un magnifique présent pianistique et, sans doute, un avenir non moins enviable.

Il y a d'autres jeunes musiciens intéressants et prometteurs dans ma classe aujourd'hui. Mais ils sont encore en croissance. Je m'abstiendrai donc d'en parler.

Comme tout enseignant talentueux, Bashkirov a son propre style de travail avec les élèves. Il n'aime pas se tourner vers des catégories et des concepts abstraits en classe, il n'aime pas s'éloigner du travail étudié. Utilise rarement, selon ses propres mots, des parallèles avec d'autres arts, comme le font certains de ses collègues. Il part du fait que la musique, la plus universelle de toutes les formes d'art, a ses propres lois, ses propres « règles », sa propre spécificité artistique ; par conséquent, tente d'amener l'étudiant à une solution purement musicale à travers la sphère non musical sont quelque peu artificiels. Quant aux analogies avec la littérature, la peinture, etc., elles ne peuvent que donner une impulsion à la compréhension de l'image musicale, mais pas la remplacer par autre chose. Il arrive que ces analogies et parallèles causent même quelques dommages à la musique – ils la simplifient… « Je pense qu'il vaut mieux expliquer à l'élève ce que l'on veut à l'aide d'expressions faciales, d'un geste de chef d'orchestre et, bien sûr, d'un affichage en direct sur le clavier.

Cependant, vous pouvez enseigner de cette manière et de cette manière… Encore une fois, il ne peut y avoir de formule unique et universelle dans ce cas.

Il revient constamment et obstinément à cette pensée : il n'y a rien de pire que le parti pris, le dogmatisme, l'unidimensionnalité dans l'approche de l'art. « Le monde de la musique, en particulier de la performance et de la pédagogie, est infiniment divers. Ici, les domaines de valeur les plus divers, les vérités artistiques et les solutions créatives spécifiques peuvent et doivent pleinement coexister. Il arrive que certaines personnes argumentent ainsi : j'aime ça – ça veut dire que c'est bon ; Si vous ne l'aimez pas, alors c'est définitivement mauvais. Une telle logique, pour ainsi dire, m'est profondément étrangère. J'essaie aussi de le rendre étranger à mes étudiants.

… Ci-dessus, Bashkirov a parlé du conflit interne de son élève Dmitry Alekseev – conflit « dans le meilleur sens du terme », qui « signifie avancer dans notre profession ». Ceux qui connaissent étroitement Dmitry Alexandrovich conviendront que, tout d'abord, un tel conflit est perceptible en lui-même. C'est elle qui, combinée à une rigueur captieuse envers lui-même (Une fois, il y a 7-8 ans, Bashkirov a déclaré qu'il avait l'habitude de se donner quelque chose comme des notes pour les performances: «Les points, à vrai dire, sont généralement bas… Dans un an, vous donner des dizaines de concerts, je me contente au mieux de quelques-uns… » A ce propos, un épisode me vient involontairement à l'esprit, que GG Neuhaus se plaisait à rappeler : « Léopold Godovsky, mon glorieux professeur, m'a dit un jour : « Je a donné dans cette saison 83 concerts, et vous savez de combien j'ai été content ? – trois ! (Neigauz GG Réflexions, souvenirs, journaux // Articles choisis. Lettres aux parents. P. 107).) – et l'ont aidé à devenir l'une des figures les plus marquantes du piano de sa génération ; c'est elle qui apportera à l'artiste, à n'en pas douter, bien d'autres découvertes créatives.

G.Tsypine, 1990

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