Dinu Lipatti (Dinu Lipatti) |

Dino Lipatti

Son nom est depuis longtemps devenu la propriété de l'histoire : environ cinq décennies se sont écoulées depuis la mort de l'artiste. Pendant ce temps, de nombreuses stars se sont élevées et se sont installées sur les scènes de concert du monde, plusieurs générations de pianistes exceptionnels ont grandi, de nouvelles tendances dans les arts de la scène ont été établies - celles que l'on appelle communément le "style d'interprétation moderne". Et pendant ce temps, l'héritage de Dinu Lipatti, contrairement à l'héritage de nombreux autres artistes majeurs de la première moitié de notre siècle, n'a pas été recouvert d'un « flair de musée », n'a pas perdu son charme, sa fraîcheur : il s'est avéré être au-delà de la mode, et qui plus est, non seulement continue d'exciter les auditeurs, mais influence également les nouvelles générations de pianistes. Ses enregistrements ne font pas la fierté des collectionneurs de vieux disques – ils sont réédités encore et encore, épuisés instantanément. Tout cela n'arrive pas parce que Lipatti pourrait bien être encore parmi nous, être dans la fleur de l'âge, sinon pour une maladie impitoyable. Les raisons sont plus profondes – dans l'essence même de son art sans âge, dans la véracité profonde du sentiment, comme nettoyé de tout ce qui est extérieur, transitoire, multipliant la puissance de l'influence du talent du musicien et à cette distance temporelle.

Peu d'artistes ont réussi à laisser une marque aussi vive dans la mémoire des gens en si peu de temps, qui leur est imparti par le destin. Surtout si l'on se souvient que Lipatti n'était en aucun cas un enfant prodige au sens généralement accepté du terme, et a commencé relativement tard une activité de concert intensive. Il a grandi et évolué dans une ambiance musicale : sa grand-mère et sa mère étaient d'excellentes pianistes, son père était un violoniste passionné (il a même pris des cours chez P. Sarasate et K. Flesch). En un mot, il n'est pas surprenant que le futur musicien, ne connaissant pas encore l'alphabet, improvise librement au piano. La gaieté enfantine était bizarrement combinée dans ses compositions simples avec un sérieux surprenant; une telle combinaison d'immédiateté de sentiment et de profondeur de pensée est restée plus tard, devenant un trait caractéristique d'un artiste mature.

Le premier professeur de Lipatti, huit ans, était le compositeur M. Zhora. Ayant découvert des capacités pianistiques exceptionnelles chez un élève, il le confie en 1928 au célèbre professeur Florika Muzychesk. Au cours de ces mêmes années, il a eu un autre mentor et mécène - George Enescu, qui est devenu le «parrain» du jeune musicien, qui a suivi de près son développement et l'a aidé. À l'âge de 15 ans, Lipatti est diplômé avec mention du Conservatoire de Bucarest et remporte rapidement le prix Enescu pour sa première œuvre majeure, les peintures symphoniques "Chetrari". Parallèlement, le musicien décide de participer au Concours international de piano de Vienne, l'un des plus "massifs" en termes de nombre de participants dans l'histoire des concours : environ 250 artistes viennent alors dans la capitale autrichienne. Lipatti a terminé deuxième (après B. Kohn), mais de nombreux membres du jury l'ont appelé le vrai vainqueur. A. Cortot a même quitté le jury en signe de protestation ; en tout cas, il a immédiatement invité la jeunesse roumaine à Paris.

Lipatti a vécu dans la capitale de la France pendant cinq ans. Il se perfectionne auprès d'A. Cortot et d'I. Lefebur, fréquente la classe de Nadia Boulanger, prend des cours de direction d'orchestre auprès de C. Munsch, de composition auprès d'I. Stravinsky et de P. Duke. Boulanger, qui a élevé des dizaines de compositeurs majeurs, a dit ceci à propos de Lipatti : « Un vrai musicien au sens plein du terme peut être considéré comme celui qui se consacre entièrement à la musique, s'oubliant lui-même. Je peux dire en toute sécurité que Lipatti est l'un de ces artistes. Et c'est la meilleure explication de ma confiance en lui. C'est avec Boulanger que Lipatti réalise son premier enregistrement en 1937 : Les danses à quatre mains de Brahms.

Dans le même temps, l'activité de concert de l'artiste a commencé. Déjà ses premières représentations à Berlin et dans les villes d'Italie attirent l'attention de tous. Après ses débuts parisiens, les critiques le comparent à Horowitz et lui prédisent unanimement un bel avenir. Lipatti a visité la Suède, la Finlande, l'Autriche, la Suisse et partout il a réussi. A chaque concert, son talent s'ouvrait à de nouvelles facettes. Cela a été facilité par son autocritique, sa méthode de création : avant de porter son interprétation sur scène, il a atteint non seulement une parfaite maîtrise du texte, mais aussi une fusion complète avec la musique, qui a abouti à la pénétration la plus profonde dans l'esprit de l'auteur. intention.

Il est caractéristique que ce n'est que ces dernières années qu'il a commencé à se tourner vers l'héritage de Beethoven, et auparavant il ne se considérait pas prêt pour cela. Un jour, il remarque qu'il lui a fallu quatre ans pour préparer le Cinquième Concerto de Beethoven ou le Premier de Tchaïkovski. Bien sûr, cela ne parle pas de ses capacités limitées, mais seulement de ses exigences extrêmes envers lui-même. Mais chacune de ses performances est la découverte de quelque chose de nouveau. Restant scrupuleusement fidèle au texte de l'auteur, le pianiste a toujours mis en valeur l'interprétation avec les « couleurs » de son individualité.

L'un de ces signes de son individualité était l'incroyable naturel du phrasé : simplicité extérieure, clarté des concepts. En même temps, pour chaque compositeur, il a trouvé des couleurs de piano particulières qui correspondaient à sa propre vision du monde. Son Bach sonnait comme une protestation contre la reproduction maigre « musée » du grand classique. « Qui ose penser au clavecin en écoutant la Première Partita interprétée par Lipatti, remplie d'une telle force nerveuse, d'un legato si mélodieux et d'une grâce si aristocratique ? s'est exclamé l'un des critiques. Mozart l'a attiré, tout d'abord, non par la grâce et la légèreté, mais par l'excitation, voire le drame et le courage. "Aucune concession au style galant", semble dire son jeu. Ceci est souligné par une rigueur rythmique, un pédalage méchant, un toucher énergique. Sa compréhension de Chopin se situe dans le même plan : pas de sentimentalité, une stricte simplicité, et en même temps – une immense puissance de sentiment…

La Seconde Guerre mondiale a trouvé l'artiste en Suisse, lors d'une autre tournée. Il est retourné dans son pays natal, a continué à se produire, à composer de la musique. Mais l'atmosphère suffocante de la Roumanie fasciste l'étouffe et, en 1943, il réussit à partir pour Stockholm, et de là en Suisse, qui devient son dernier refuge. Il a dirigé le département d'interprétation et la classe de piano au Conservatoire de Genève. Mais juste au moment où la guerre prend fin et où de brillantes perspectives s'ouvrent devant l'artiste, apparaissent les premiers signes d'une maladie incurable : la leucémie. Il écrit amèrement à son professeur M. Zhora : « Quand j'étais en bonne santé, la lutte contre le besoin était fatigante. Maintenant que je suis malade, il y a des invitations de tous les pays. J'ai signé des engagements avec l'Australie, l'Amérique du Sud et du Nord. Quelle ironie du destin ! Mais je n'abandonne pas. Je me battrai quoi qu'il arrive.

Le combat a duré des années. Les longues tournées ont dû être annulées. Dans la seconde moitié des années 40, il quitte à peine la Suisse ; l'exception était ses voyages à Londres, où il fit ses débuts en 1946 avec G. Karajan, jouant le Concerto de Schumann sous sa direction. Lipatti s'est ensuite rendu plusieurs fois en Angleterre pour enregistrer. Mais en 1950, il ne supporte même plus un tel voyage, et la firme I-am-a lui envoie son « équipe » à Genève : en quelques jours, au prix des plus grands efforts, 14 valses de Chopin, La Sonate de Mozart (n° 8) a été enregistrée, la Partita de Bach (si bémol majeur), la 32e Mazurka de Chopin. En août, il se produit pour la dernière fois avec l'orchestre : le Concerto de Mozart (n° 21) retentit, G. Karayan est sur le podium. Et le 16 septembre, Dinu Lipatti a fait ses adieux au public de Besançon. Le programme du concert comprenait la Partita en si bémol majeur de Bach, la Sonate de Mozart, deux impromptus de Schubert et les 14 valses de Chopin. Il n'a joué que 13 – le dernier n'était plus assez fort. Mais au lieu de cela, réalisant qu'il ne serait plus jamais sur scène, l'artiste a interprété le Bach Choral, arrangé pour piano par Myra Hess… L'enregistrement de ce concerto est devenu l'un des documents les plus passionnants et les plus dramatiques de l'histoire musicale de notre siècle…

Après la mort de Lipatti, son professeur et ami A. Cortot écrivait : « Cher Dinu, ton passage parmi nous ne t'a pas seulement promu d'un commun accord à la première place parmi les pianistes de ta génération. Dans la mémoire de ceux qui vous ont écouté, vous laissez la confiance que si le destin n'avait pas été si cruel envers vous, votre nom serait devenu une légende, un exemple de service désintéressé à l'art. Le temps qui s'est écoulé depuis lors a montré que l'art de Lipatti reste un tel exemple à ce jour. Son héritage sonore est relativement petit - seulement environ neuf heures d'enregistrements (si vous comptez les répétitions). En plus des compositions susmentionnées, il a réussi à capturer sur des disques tels concertos de Bach (n ° 1), Chopin (n ° 1), Grieg, Schumann, pièces de Bach, Mozart, Scarlatti, Liszt, Ravel, son propre compositions – Concertino dans le style classique et Sonate pour la main gauche… C'est presque tout. Mais tous ceux qui se familiarisent avec ces disques seront certainement d'accord avec les mots de Florica Muzycescu : « Le discours artistique avec lequel il s'adressait aux gens a toujours captivé le public, il capte aussi ceux qui l'écoutent jouer sur le disque.

Grigoriev L., Platek Ya.