David Fedorovitch Oïstrakh |
David Oïstrakh
L'Union soviétique est connue depuis longtemps pour les violonistes. Dans les années 30, les brillantes victoires de nos interprètes lors de concours internationaux ont émerveillé la communauté musicale mondiale. L'école de violon soviétique était considérée comme la meilleure au monde. Parmi la constellation de brillants talents, la palme appartenait déjà à David Oistrakh. Il a conservé son poste à ce jour.
De nombreux articles ont été écrits sur Oistrakh, peut-être dans les langues de la plupart des peuples du monde ; des monographies et des essais ont été écrits sur lui, et il semble qu'il n'y ait pas de mots qui ne seraient pas dits sur l'artiste par les admirateurs de son merveilleux talent. Et pourtant j'ai envie d'en parler encore et encore. Peut-être qu'aucun des violonistes n'a reflété aussi pleinement l'histoire de l'art du violon de notre pays. Oistrakh s'est développé avec la culture musicale soviétique, absorbant profondément ses idéaux, son esthétique. Il a été "créé" en tant qu'artiste par notre monde, dirigeant avec soin le développement du grand talent de l'artiste.
Il y a un art qui supprime, angoisse, fait vivre les drames de la vie ; mais il y a un art d'un autre genre, qui apporte la paix, la joie, guérit les blessures spirituelles, favorise l'établissement de la foi dans la vie, dans l'avenir. Ce dernier est très caractéristique d'Oistrakh. L'art d'Oistrakh témoigne de l'étonnante harmonie de sa nature, de son monde spirituel, d'une perception lumineuse et claire de la vie. Oistrakh est un artiste en quête, toujours insatisfait de ce qu'il a accompli. Chaque étape de sa biographie créative est un « nouvel Oistrakh ». Dans les années 30, il était un maître de la miniature, privilégiant un lyrisme doux, charmant et léger. A cette époque, son jeu captivait par une grâce subtile, des nuances lyriques pénétrantes, une complétude raffinée de chaque détail. Les années ont passé et Oistrakh est devenu un maître des grandes formes monumentales, tout en conservant ses anciennes qualités.
Au premier stade, son jeu était dominé par les « tons aquarelles » avec un parti pris pour une gamme de couleurs irisées et argentées avec des transitions imperceptibles de l'une à l'autre. Cependant, dans le Concerto de Khachaturian, il s'est soudainement montré dans une nouvelle capacité. Il semblait créer une image colorée enivrante, avec des timbres profonds « veloutés » de couleur sonore. Et si dans les concerts de Mendelssohn, Tchaïkovski, dans les miniatures de Kreisler, Scriabine, Debussy, il était perçu comme un interprète au talent purement lyrique, alors dans le Concerto de Khatchatourian il apparaissait comme un magnifique peintre de genre ; son interprétation de ce Concerto est devenue un classique.
Une nouvelle scène, un nouveau point culminant du développement créatif d'un artiste étonnant – le Concerto de Chostakovitch. Il est impossible d'oublier l'impression laissée par la première du Concert interprété par Oistrakh. Il s'est littéralement transformé; son jeu a acquis une échelle «symphonique», une puissance tragique, une «sagesse du cœur» et une douleur pour une personne, qui sont si inhérentes à la musique du grand compositeur soviétique.
Décrivant la performance d'Oistrakh, il est impossible de ne pas noter sa grande compétence instrumentale. Il semble que la nature n'ait jamais créé une fusion aussi complète de l'homme et de l'instrument. En même temps, la virtuosité de la performance d'Oistrakh est particulière. Il a à la fois de la brillance et de l'éclat lorsque la musique l'exige, mais ce n'est pas l'essentiel, mais la plasticité. L'incroyable légèreté et facilité avec laquelle l'artiste interprète les passages les plus déroutants est inégalée. La perfection de son appareil d'exécution est telle qu'on ressent un vrai plaisir esthétique en le regardant jouer. Avec une dextérité incompréhensible, la main gauche se déplace le long du cou. Il n'y a pas de secousses brusques ou de transitions angulaires. Tout saut est surmonté avec une liberté absolue, tout étirement des doigts - avec la plus grande élasticité. L'archet est « lié » aux cordes de telle manière que le timbre frémissant et caressant du violon d'Oistrakh ne sera pas oublié de sitôt.
Les années ajoutent de plus en plus de facettes à son art. Cela devient plus profond et… plus facile. Mais, évoluant, avançant sans cesse, Oistrakh reste « lui-même », un artiste de la lumière et du soleil, le violoniste le plus lyrique de notre époque.
Oistrakh est né à Odessa le 30 septembre 1908. Son père, un modeste employé de bureau, jouait de la mandoline, du violon et était un grand amateur de musique ; mère, chanteuse professionnelle, a chanté dans la chorale de l'opéra d'Odessa. Dès l'âge de quatre ans, le petit David écoutait avec enthousiasme les opéras dans lesquels sa mère chantait, et à la maison il jouait des spectacles et « dirigeait » un orchestre imaginaire. Sa musicalité était si évidente qu'il s'est intéressé à un professeur bien connu qui est devenu célèbre dans son travail avec les enfants, le violoniste P. Stolyarsky. Dès l'âge de cinq ans, Oistrakh a commencé à étudier avec lui.
La Première Guerre mondiale éclate. Le père d'Oistrakh est allé au front, mais Stolyarsky a continué à travailler gratuitement avec le garçon. A cette époque, il avait une école de musique privée, qui à Odessa s'appelait une «usine à talents». "Il avait une grande et ardente âme d'artiste et un amour extraordinaire pour les enfants", se souvient Oistrakh. Stolyarsky lui a inculqué l'amour de la musique de chambre, l'a forcé à jouer de la musique dans des ensembles scolaires à l'alto ou au violon.
Après la révolution et la guerre civile, l'Institut de musique et de théâtre a été ouvert à Odessa. En 1923, Oistrakh est entré ici et, bien sûr, dans la classe de Stolyarsky. En 1924, il donne son premier concert solo et maîtrise rapidement les œuvres centrales du répertoire pour violon (concerts de Bach, Tchaïkovski, Glazounov). En 1925, il fit son premier voyage de concert à Elizavetgrad, Nikolaev, Kherson. Au printemps 1926, Oistrakh est diplômé de l'institut avec brio, après avoir interprété le premier concerto de Prokofiev, la sonate «Devil's Trills» de Tartini, la sonate pour alto et piano d'A. Rubinstein.
Notons que le Concerto de Prokofiev a été choisi comme œuvre principale d'examen. À cette époque, tout le monde ne pouvait pas faire un pas aussi audacieux. La musique de Prokofiev a été perçue par quelques-uns, c'est avec difficulté qu'elle a gagné la reconnaissance des musiciens élevés sur les classiques des XNUMXe-XNUMXe siècles. Le désir de nouveauté, la compréhension rapide et profonde du nouveau sont restés caractéristiques d'Oistrakh, dont l'évolution de la performance peut être utilisée pour écrire l'histoire de la musique soviétique pour violon. On peut dire sans exagération que la plupart des concertos pour violon, des sonates, des œuvres de grandes et petites formes créées par des compositeurs soviétiques ont été interprétées pour la première fois par Oistrakh. Oui, et de la littérature violonistique étrangère du XVIe siècle, c'est Oistrakh qui a initié les auditeurs soviétiques à de nombreux phénomènes majeurs; par exemple, avec des concertos de Szymanowski, Chausson, le premier concerto de Bartók, etc.
Bien sûr, à l'époque de sa jeunesse, Oistrakh ne comprenait pas assez profondément la musique du concerto de Prokofiev, comme le rappelle l'artiste lui-même. Peu de temps après qu'Oistrakh ait obtenu son diplôme de l'institut, Prokofiev est venu à Odessa avec des concerts d'auteur. Lors d'une soirée organisée en son honneur, Oistrakh, 18 ans, a interprété le scherzo du Premier Concerto. Le compositeur était assis près de la scène. « Au cours de ma performance », se souvient Oistrakh, « son visage est devenu de plus en plus sombre. Lorsque les applaudissements ont éclaté, il n'y a pas participé. En s'approchant de la scène, ignorant le bruit et l'excitation du public, il a demandé au pianiste de lui céder la place et, se tournant vers moi avec les mots : "Jeune homme, tu ne joues pas du tout comme tu devrais", il a commencé pour me montrer et m'expliquer la nature de sa musique. . Plusieurs années plus tard, Oistrakh a rappelé cet incident à Prokofiev, et il a été visiblement embarrassé lorsqu'il a découvert qui était le «jeune homme malheureux» qui avait tant souffert de lui.
Dans les années 20, F. Kreisler a eu une grande influence sur Oistrakh. Oistrakh s'est familiarisé avec sa performance à travers des enregistrements et a été captivé par l'originalité de son style. L'énorme impact de Kreisler sur la génération de violonistes des années 20 et 30 est généralement considéré à la fois comme positif et négatif. Apparemment, Kreisler était «coupable» de la fascination d'Oistrakh pour une petite forme - les miniatures et les transcriptions, dans lesquelles les arrangements et les pièces originales de Kreisler occupaient une place importante.
La passion pour Kreisler était universelle et peu restaient indifférents à son style et à sa créativité. De Kreisler, Oistrakh a adopté certaines techniques de jeu - glissando caractéristique, vibrato, portamento. Peut-être Oistrakh est-il redevable à «l'école Kreisler» pour l'élégance, la facilité, la douceur, la richesse des nuances «de chambre» qui nous captivent dans son jeu. Cependant, tout ce qu'il a emprunté a été exceptionnellement traité organiquement par lui même à cette époque. L'individualité du jeune artiste s'est avérée si brillante qu'elle a transformé toute «acquisition». Dans sa période de maturité, Oistrakh a quitté Kreisler, mettant les techniques expressives qu'il avait autrefois adoptées de lui au service d'objectifs complètement différents. Le désir de psychologisme, la reproduction d'un monde complexe d'émotions profondes l'ont conduit aux méthodes d'intonation déclamatoire, dont la nature est directement opposée aux paroles élégantes et stylisées de Kreisler.
À l'été 1927, à l'initiative du pianiste de Kiev K. Mikhailov, Oistrakh est présenté à AK Glazunov, venu à Kiev pour diriger plusieurs concerts. Dans l'hôtel où Oistrakh a été amené, Glazunov a accompagné le jeune violoniste dans son Concerto au piano. Sous la direction de Glazounov, Oistrakh a interprété deux fois le Concerto en public avec l'orchestre. À Odessa, où Oistrakh est revenu avec Glazunov, il a rencontré Polyakin, qui y faisait une tournée, et après un certain temps, avec le chef d'orchestre N. Malko, qui l'a invité à son premier voyage à Leningrad. Le 10 octobre 1928, Oistrakh fait ses débuts avec succès à Leningrad ; le jeune artiste a gagné en popularité.
En 1928, Oistrakh s'installe à Moscou. Pendant un certain temps, il mène la vie d'un artiste invité, voyageant à travers l'Ukraine avec des concerts. D'une grande importance dans son activité artistique a été la victoire au Concours pan-ukrainien de violon en 1930. Il a remporté le premier prix.
P. Kogan, directeur du bureau de concert des orchestres et ensembles d'État d'Ukraine, s'est intéressé au jeune musicien. Excellent organisateur, il était une figure remarquable de « l'imprésario-éducateur soviétique », comme on peut l'appeler selon l'orientation et la nature de son activité. Il était un véritable propagandiste de l'art classique auprès des masses, et de nombreux musiciens soviétiques gardent un bon souvenir de lui. Kogan a beaucoup fait pour populariser Oistrakh, mais le principal domaine de concerts du violoniste était toujours en dehors de Moscou et de Leningrad. Ce n'est qu'en 1933 qu'Oistrakh a également commencé à faire son chemin à Moscou. Sa performance avec un programme composé de concertos de Mozart, Mendelssohn et Tchaïkovski, exécutés en une soirée, a été un événement dont le Moscou musical a parlé. Des critiques sont écrites sur Oistrakh, dans lesquelles il est noté que son jeu porte les meilleures qualités de la jeune génération d'interprètes soviétiques, que cet art est sain, intelligible, joyeux, volontaire. Les critiques remarquent avec justesse les principales caractéristiques de son style d'interprétation, qui le caractérisent à cette époque - une compétence exceptionnelle dans l'interprétation d'œuvres de petite taille.
En même temps, dans l'un des articles on trouve les lignes suivantes : « Cependant, il est prématuré de considérer que la miniature est son genre. Non, la sphère d'Oistrakh est une musique aux formes plastiques et gracieuses, une musique pleine de sang et optimiste.
En 1934, à l'initiative d'A. Goldenweiser, Oistrakh est invité au conservatoire. C'est là qu'a commencé sa carrière d'enseignant, qui se poursuit jusqu'à nos jours.
Les années 30 ont été l'époque des brillants triomphes d'Oistrakh sur la scène paneuropéenne et mondiale. 1935 - premier prix au IIe Concours pan-syndical des musiciens interprètes à Leningrad; la même année, quelques mois plus tard – le deuxième prix du Concours international de violon Henryk Wieniawski à Varsovie (le premier prix est allé à Ginette Neve, l'élève de Thibaut) ; 1937 – premier prix au Concours international de violon Eugène Ysaye à Bruxelles.
Le dernier concours, dans lequel six des sept premiers prix ont été remportés par les violonistes soviétiques D. Oistrakh, B. Goldstein, E. Gilels, M. Kozolupova et M. Fikhtengolts, a été évalué par la presse mondiale comme un triomphe du violon soviétique école. Jacques Thibault, membre du jury du concours, a écrit : « Ce sont de merveilleux talents. L'URSS est le seul pays qui s'est occupé de ses jeunes artistes et leur a offert toutes les possibilités de développement. A partir d'aujourd'hui, Oistrakh acquiert une renommée mondiale. Ils veulent l'écouter dans tous les pays.
Après le concours, ses participants se sont produits à Paris. Le concours a ouvert la voie à Oistrakh pour de vastes activités internationales. À la maison, Oistrakh devient le violoniste le plus populaire, rivalisant avec succès à cet égard avec Miron Polyakin. Mais l'essentiel est que son art charmant attire l'attention des compositeurs, stimulant leur créativité. En 1939, le Concerto Myaskovsky a été créé, en 1940 – Khatchatourian. Les deux concerts sont dédiés à Oistrakh. L'exécution des concertos de Myaskovsky et Khatchatourian a été perçue comme un événement majeur dans la vie musicale du pays, a été le résultat et l'aboutissement de la période d'avant-guerre de l'activité remarquable de l'artiste.
Pendant la guerre, Oistrakh a continuellement donné des concerts, jouant dans les hôpitaux, à l'arrière et au front. Comme la plupart des artistes soviétiques, il est plein d'enthousiasme patriotique, en 1942 il se produit à Leningrad assiégée. Soldats et ouvriers, marins et habitants de la ville l'écoutent. « L'Oki est venu ici après une dure journée de travail pour écouter Oistrakh, un artiste du continent, de Moscou. Le concert n'était pas encore terminé lorsque l'alerte aérienne fut annoncée. Personne n'a quitté la pièce. Après la fin du concert, l'artiste a été chaleureusement accueilli. L'ovation s'est particulièrement intensifiée lorsque le décret d'attribution du prix d'État à D. Oistrakh a été annoncé… ».
La guerre est finie. En 1945, Yehudi Menuhin arrive à Moscou. Oistrakh joue avec lui un double concerto de Bach. Au cours de la saison 1946/47, il interprète à Moscou un cycle grandiose consacré à l'histoire du concerto pour violon. Cet acte rappelle les célèbres concerts historiques d'A. Rubinstein. Le cycle comprenait des œuvres telles que des concertos d'Elgar, Sibelius et Walton. Il a défini quelque chose de nouveau dans l'image créative d'Oistrakh, qui est devenue depuis sa qualité inaliénable - l'universalisme, le désir d'une large couverture de la littérature violonistique de tous les temps et de tous les peuples, y compris la modernité.
Après la guerre, Oistrakh a ouvert des perspectives d'activité internationale étendue. Son premier voyage eut lieu à Vienne en 1945. Le bilan de son interprétation est remarquable : « … Seule la maturité spirituelle de son jeu toujours stylé fait de lui un héraut de la haute humanité, un musicien véritablement significatif, dont la place est au premier rang de violonistes du monde.
En 1945-1947, Oistrakh rencontre Enescu à Bucarest et Menuhin à Prague ; en 1951, il est nommé membre du jury du Concours International Reine Elisabeth de Belgique à Bruxelles. Dans les années 50, toute la presse étrangère le classe comme l'un des plus grands violonistes du monde. Pendant son séjour à Bruxelles, il se produit avec Thibault, qui dirige l'orchestre dans son concerto, jouant des concertos de Bach, Mozart et Beethoven. Thiebaud est plein d'admiration pour le talent d'Oistrakh. Les critiques de sa performance à Düsseldorf en 1954 soulignent l'humanité pénétrante et la spiritualité de sa performance. « Cet homme aime les gens, cet artiste aime le beau, le noble ; aider les gens à vivre cette expérience, c'est son métier.
Dans ces revues, Oistrakh apparaît comme un interprète atteignant les profondeurs du principe humaniste en musique. L'émotivité et le lyrisme de son art sont psychologiques, et c'est ce qui touche les auditeurs. « Comment résumer les impressions du jeu de David Oistrakh ? – écrit E. Jourdan-Morrange. – Les définitions communes, aussi dithyrambiques soient-elles, sont indignes de son art pur. Oistrakh est le violoniste le plus parfait que j'aie jamais entendu, non seulement par sa technique, qui est égale à celle de Heifetz, mais surtout parce que cette technique est complètement tournée au service de la musique. Quelle honnêteté, quelle noblesse d'exécution !
En 1955, Oistrakh se rend au Japon et aux États-Unis. Au Japon, ils ont écrit : « Le public de ce pays sait apprécier l'art, mais est enclin à la retenue dans la manifestation des sentiments. Ici, elle est littéralement devenue folle. Des applaudissements époustouflants fusionnés avec des cris de « bravo ! » et semblait capable d'étourdir. Le succès d'Oistrakh aux États-Unis frôle le triomphe : « David Oistrakh est un grand violoniste, l'un des vraiment grands violonistes de notre époque. Oistrakh est grand non seulement parce qu'il est un virtuose, mais un véritable musicien spirituel. F. Kreisler, C. Francescatti, M. Elman, I. Stern, N. Milstein, T. Spivakovsky, P. Robson, E. Schwarzkopf, P. Monte ont écouté Oistrakh lors du concert au Carnegie Hall.
« J'ai été particulièrement ému par la présence de Kreisler dans la salle. Quand j'ai vu le grand violoniste, écoutant attentivement mon jeu, puis m'applaudissant debout, tout ce qui s'est passé m'a semblé être une sorte de rêve merveilleux. Oistrakh a rencontré Kreisler lors de sa deuxième visite aux États-Unis en 1962-1963. Kreisler était à cette époque déjà un très vieil homme. Parmi les rencontres avec de grands musiciens, il faut aussi citer la rencontre avec P. Casals en 1961, qui a laissé une empreinte profonde au cœur d'Oistrakh.
La ligne la plus brillante de la performance d'Oistrakh est la musique de chambre. Oistrakh a participé à des soirées de chambre à Odessa ; plus tard, il a joué dans un trio avec Igumnov et Knushevitsky, remplaçant le violoniste Kalinovsky dans cet ensemble. En 1935, il forme un ensemble de sonates avec L. Oborin. Selon Oistrakh, cela s'est passé comme ça : ils sont allés en Turquie au début des années 30, et là ils ont dû jouer une soirée sonate. Leur « sens de la musique » s'est avéré tellement lié que l'idée est venue de poursuivre cette association aléatoire.
De nombreuses représentations lors de soirées communes ont rapproché l'un des plus grands violoncellistes soviétiques, Svyatoslav Knushevitsky, d'Oistrakh et d'Oborin. La décision de créer un trio permanent est prise en 1940. La première représentation de cet ensemble remarquable a lieu en 1941, mais une activité de concert systématique débute en 1943. Le trio L. Oborin, D. Oistrakh, S. Knushevitsky pendant de nombreuses années (jusqu'à 1962, date de la mort de Knushevitsky) faisait la fierté de la musique de chambre soviétique. De nombreux concerts de cet ensemble rassemblaient invariablement des salles pleines d'un public enthousiaste. Ses performances ont eu lieu à Moscou, Leningrad. En 1952, le trio se rend aux célébrations de Beethoven à Leipzig. Oborin et Oistrakh ont interprété tout le cycle des sonates de Beethoven.
Le jeu du trio se distinguait par une cohérence rare. La remarquable cantilène dense de Knushevitsky, avec son timbre sonore et velouté, parfaitement combiné avec le son argenté d'Oistrakh. Leur son était complété par le chant au piano Oborin. En musique, les artistes ont révélé et souligné son côté lyrique, leur jeu se distinguait par la sincérité, la douceur venant du cœur. En général, le style d'exécution de l'ensemble peut être qualifié de lyrique, mais avec un équilibre et une rigueur classiques.
L'Ensemble Oborin-Oistrakh existe encore aujourd'hui. Leurs soirées sonates laissent une impression d'intégrité et de complétude stylistique. La poésie inhérente à la pièce d'Oborin se conjugue avec la logique caractéristique de la pensée musicale ; Oistrakh est un excellent partenaire à cet égard. C'est un ensemble d'un goût exquis, d'une rare intelligence musicale.
Oistrakh est connu dans le monde entier. Il est marqué par de nombreux titres ; en 1959, la Royal Academy of Music de Londres l'a élu membre honoraire, en 1960, il est devenu académicien honoraire de la Sainte Cécile à Rome; en 1961 - membre correspondant de l'Académie allemande des arts de Berlin, ainsi que membre de l'Académie américaine des sciences et des arts de Boston. Oistrakh a reçu les ordres de Lénine et l'insigne d'honneur ; il a reçu le titre d'artiste du peuple de l'URSS. En 1961, il a reçu le prix Lénine, le premier parmi les musiciens interprètes soviétiques.
Dans le livre de Yampolsky sur Oistrakh, ses traits de caractère sont résumés de manière concise et brève: énergie indomptable, travail acharné, esprit critique aiguisé, capable de remarquer tout ce qui est caractéristique. Cela ressort clairement des jugements d'Oistrakh sur le jeu de musiciens exceptionnels. Il sait toujours pointer l'essentiel, tracer un portrait juste, faire une analyse subtile du style, remarquer la typicité dans l'allure d'un musicien. Ses jugements sont dignes de confiance, car ils sont pour la plupart impartiaux.
Yampolsky note également un sens de l'humour: «Il apprécie et aime un mot bien ciblé et pointu, est capable de rire contagieusement en racontant une histoire drôle ou en écoutant une histoire comique. Comme Heifetz, il peut copier de façon hilarante le jeu des violonistes débutants. Avec l'énergie colossale qu'il dépense chaque jour, il est toujours intelligent, retenu. Dans la vie de tous les jours, il aime le sport – dans sa jeunesse, il a joué au tennis ; un excellent automobiliste passionné d'échecs. Dans les années 30, son partenaire d'échecs était S. Prokofiev. Avant la guerre, Oistrakh avait été président de la section sportive de la Maison centrale des artistes pendant plusieurs années et maître d'échecs de première classe.
Sur scène, Oistrakh est libre ; il n'a pas l'excitation qui éclipse tellement l'activité variée d'un grand nombre de musiciens interprètes. Rappelons-nous combien Joachim, Auer, Thiebaud, Huberman, Polyakin ont douloureusement inquiété, combien d'énergie nerveuse ils dépensaient à chaque représentation. Oistrakh aime la scène et, comme il l'admet, seules des interruptions importantes dans les performances le passionnent.
Le travail d'Oistrakh dépasse le cadre des activités d'exécution directes. Il a beaucoup contribué à la littérature violonistique en tant qu'éditeur; par exemple, sa version (avec K. Mostras) du concerto pour violon de Tchaïkovski est excellente, enrichissant et corrigeant largement la version d'Auer. Signalons également le travail d'Oistrakh sur les deux sonates pour violon de Prokofiev. Les violonistes lui doivent le fait que la Deuxième Sonate, écrite à l'origine pour flûte et violon, a été refaite par Prokofiev pour violon.
Oistrakh travaille constamment sur de nouvelles œuvres, étant leur premier interprète. La liste des nouvelles œuvres de compositeurs soviétiques, "publiées" par Oistrakh, est énorme. Pour n'en citer que quelques-uns : les sonates de Prokofiev, les concertos de Myaskovsky, Rakov, Khatchatourian, Chostakovitch. Oistrakh écrit parfois des articles sur les morceaux qu'il a joués, et certains musicologues peuvent envier son analyse.
Magnifiques, par exemple, sont les analyses du Concerto pour violon de Myaskovsky, et surtout de Chostakovitch.
Oistrakh est un professeur exceptionnel. Parmi ses élèves figurent les lauréats des concours internationaux V. Klimov ; son fils, actuellement soliste de premier plan I. Oistrakh, ainsi que O. Parkhomenko, V. Pikaizen, S. Snitkovetsky, J. Ter-Merkeryan, R. Fine, N. Beilina, O. Krysa. De nombreux violonistes étrangers s'efforcent d'entrer dans la classe d'Oistrakh. Les Français M. Bussino et D. Arthur, le Turc E. Erduran, le violoniste australien M. Beryl-Kimber, D. Bravnichar de Yougoslavie, le Bulgare B. Lechev, les Roumains I. Voicu, S. Georgiou ont étudié sous lui. Oistrakh aime la pédagogie et travaille en classe avec passion. Sa méthode est basée principalement sur sa propre expérience d'interprète. « Les commentaires qu'il fait sur telle ou telle méthode d'exécution sont toujours concis et extrêmement précieux ; dans chaque mot-conseil, il montre une profonde compréhension de la nature de l'instrument et des techniques d'interprétation du violon.
Il attache une grande importance à la démonstration directe sur l'instrument par le professeur du morceau que l'élève étudie. Mais seulement montrer, à son avis, est utile principalement pendant la période où l'étudiant analyse le travail, car en outre, cela peut entraver le développement de l'individualité créative de l'étudiant.
Oistrakh développe habilement l'appareil technique de ses élèves. Dans la plupart des cas, ses animaux de compagnie se distinguent par la liberté de possession de l'instrument. Dans le même temps, une attention particulière à la technologie n'est en aucun cas caractéristique de l'enseignant Oistrakh. Il s'intéresse beaucoup plus aux problèmes d'éducation musicale et artistique de ses élèves.
Ces dernières années, Oistrakh s'est intéressé à la direction d'orchestre. Sa première représentation en tant que chef d'orchestre a lieu le 17 février 1962 à Moscou – il accompagne son fils Igor, qui interprète les concertos de Bach, Beethoven et Brahms. « Le style de direction d'Oistrakh est simple et naturel, tout comme sa manière de jouer du violon. Il est calme, avare de mouvements inutiles. Il ne supprime pas l'orchestre avec le « pouvoir » de son chef, mais offre à l'équipe interprète un maximum de liberté créative, en s'appuyant sur l'intuition artistique de ses membres. Le charme et l'autorité d'un grand artiste ont un effet irrésistible sur les musiciens.
En 1966, Oistrakh a eu 58 ans. Cependant, il est plein d'énergie créative active. Son savoir-faire se distingue encore par la liberté, la perfection absolue. Il n'a été enrichi que par l'expérience artistique d'une longue vie, entièrement consacrée à son art bien-aimé.
L.Raaben, 1967
