concerts |
Konzert allemand, de l'italien. concerto – concert, lit. – concours (votes), de lat. concerto – concurrence
Une œuvre pour de nombreux interprètes, dans laquelle une plus petite partie des instruments ou voix participants s'oppose à la plupart d'entre eux ou à l'ensemble entier, se démarquant par la thématique. soulagement de la musique. un son matériel, coloré, utilisant toutes les possibilités des instruments ou des voix. Dès la fin du XVIIIe siècle, les plus courants sont les concertos pour un instrument soliste avec orchestre ; les concertos pour plusieurs instruments avec orchestre sont moins courants – « double », « triple », « quadruple » (en allemand : Doppelkonzert, Triepelkonzert, Quadrupelkonzert). Les variétés spéciales sont k. pour un instrument (sans orchestre), k. pour un orchestre (sans parties solistes strictement définies), k. pour voix (voix) avec orchestre, k. pour chœur a cappella. Dans le passé, la musique vocale-polyphonique était largement représentée. K. et concerto grosso. Les conditions préalables importantes à l'émergence de K. étaient le multi-chœur et la comparaison des chœurs, des solistes et des instruments, qui ont d'abord été largement utilisés par les représentants de l'école vénitienne, l'attribution de wok.-instr. compositions de parties solistes de voix et d'instruments. Le premier k. naquit en Italie au tournant des XVIe et XVIIe siècles. wok. église polyphonique. musique (Concerti ecclesiastici pour double chœur A. Banchieri, 18 ; Motets pour chant à 16-17 voix avec basse numérique « Cento concerti ecclesiastici » de L. Viadana, 1595-1). Dans de tels concerts, diverses compositions – de grandes, y compris nombreuses. wok. et instr. soirées, jusqu'à ne compter que quelques woks. parties et le rôle de la basse générale. Outre le nom de concerto, les compositions du même type portaient souvent les noms de motetti, motectae, cantios sacrae et autres. L'étape la plus élevée dans le développement du wok d'église. K. polyphonique. le style représente émergé au 4er étage. Cantates du XVIIIe siècle de JS Bach, auxquelles il a lui-même donné le nom de concerti.
Le genre K. a trouvé une large application en russe. musique d'église (à partir de la fin du XVIIe siècle) - dans des œuvres polyphoniques pour chœur a cappella, liées au domaine du chant partes. La théorie de la "création" de tels cristaux a été développée par NP Diletsky. Rus. Les compositeurs ont beaucoup développé la technique polyphonique des cloches d'église (œuvres à 17, 4, 6, 8 voix ou plus, jusqu'à 12 voix). Dans la bibliothèque du chœur synodal de Moscou, il y avait jusqu'à 24 K. des XVIIe-XVIIIe siècles, écrits par V. Titov, F. Redrikov, N. Bavykin et d'autres. Le développement du concert religieux se poursuit à la fin du XVIIIe siècle. MS Berezovsky et DS Bortnyansky, dans l'œuvre desquels prévaut le style mélodique-ariose.
Au 17ème siècle, à l'origine en Italie, le principe de "compétition", "concurrence" de plusieurs voix solistes ("concert") pénètre instr. musique – dans la suite et l'église. sonate, préparant l'apparition du genre du cinéma instrumental (Balletto concertata P. Melli, 1616 ; Sonata concertata D. Castello, 1629). La juxtaposition (« concurrence ») contrastée de l'orchestre (tutti) et des solistes (solo) ou du groupe d'instruments solistes et de l'orchestre (dans le concerto grosso) est à la base de ceux qui émergent à la fin du XVIIe siècle. les premiers exemples de K. instrumental (Concerti da camera a 17 con il cembalo G. Bononcini, 3; Concerto da camera a 1685 violini e Basso continuo G. Torelli, 2). Cependant, les concertos de Bononchini et Torelli n'étaient qu'une forme de transition de la sonate au K., qui s'est en fait développée au 1686er étage. 1ème siècle dans l'oeuvre de A. Vivaldi. K. de cette époque était une composition en trois parties avec deux parties extrêmes rapides et une partie médiane lente. Les parties rapides étaient généralement basées sur un thème (rarement sur 18 sujets) ; ce thème a été joué à l'orchestre tel quel comme un refrain-ritornello (un allegro monotémique de type rondal). Vivaldi a créé à la fois des concerti grossi et des concertos solo pour violon, violoncelle, viole d'amour et divers spiritueux. outils. La partie de l'instrument soliste dans les concertos solo remplissait d'abord principalement des fonctions contraignantes, mais à mesure que le genre évoluait, elle acquit un caractère concertant et thématique de plus en plus prononcé. indépendance. Le développement de la musique repose sur l'opposition du tutti et du solo, dont les contrastes sont accentués par la dynamique. moyens. La texture figurative du mouvement fluide d'un entrepôt purement homophonique ou polyphonique prévalait. Les concerts du soliste, en règle générale, avaient le caractère de la virtuosité ornementale. La partie médiane était écrite dans le style ariose (généralement l'air pathétique du soliste contre l'accompagnement en accords de l'orchestre). Ce type de K. reçu au 2er étage. Distribution générale du XVIIIe siècle. Les concertos pour clavier créés par JS Bach lui appartiennent également (certains d'entre eux sont des arrangements de ses propres concertos pour violon et des concertos pour violon de Vivaldi pour 1, 18 et 1 claviers). Ces œuvres de JS Bach, ainsi que K. pour clavier et orchestre de GF Handel, ont marqué le début du développement du piano. concert. Haendel est aussi l'ancêtre de l'orgue k. Comme instruments solistes, en plus du violon et du clavier, le violoncelle, la viole d'amour, le hautbois (qui servait souvent de substitut au violon), la trompette, le basson, la flûte traversière, etc. étaient utilisés.
Au 2ème étage. 18ème siècle a formé un classique un type de k instrumental solo, clairement cristallisé dans les classiques viennois.
Dans K., la forme de la sonate-symphonie a été établie. cycle, mais dans une réfraction particulière. Le cycle de concert, en règle générale, ne comprenait que 3 parties; il manquait la 3e partie d'un cycle complet de quatre mouvements, c'est-à-dire le menuet ou (plus tard) scherzo (plus tard, le scherzo est parfois inclus dans K. - au lieu de la partie lente, comme, par exemple, , dans le 1er K. pour violon et orchestre de Prokofiev, ou dans le cadre d'un cycle complet de quatre mouvements, comme, par exemple, dans les concertos pour piano et orchestre de A. Litolf, I. Brahms, dans le 1er K. pour violon et orchestre Chostakovitch). Certaines caractéristiques ont également été établies dans la construction des parties individuelles de K. Dans la 1ère partie, le principe de la double exposition a été appliqué - au début, les thèmes des parties principales et latérales sonnaient dans l'orchestre dans l'ensemble. clés, et seulement après cela dans la 2e exposition, ils ont été présentés avec le rôle principal du soliste - le thème principal dans le même principal. tonalité, et le côté un – dans un autre, correspondant au schéma de la sonate allegro. La comparaison, la compétition entre le soliste et l'orchestre s'est déroulée principalement dans le développement. Par rapport aux échantillons préclassiques, le principe même de la performance de concert a considérablement changé, une coupe est devenue plus étroitement liée à la thématique. développement. K. a prévu l'improvisation du soliste sur les thèmes de la composition, la soi-disant. cadence, qui était située à la transition vers le code. Chez Mozart, la texture de K., restant majoritairement figurative, est mélodique, transparente, plastique, chez Beethoven elle est chargée de tension conformément à la dramatisation générale du style. Aussi bien Mozart que Beethoven évitent tout cliché dans la construction de leurs tableaux, s'écartant souvent du principe de double exposition décrit ci-dessus. Les concertos de Mozart et de Beethoven constituent les plus hauts sommets du développement de ce genre.
À l'ère du romantisme, on s'écarte du classique. le rapport des parties en k. Les romantiques ont créé un k en une partie. de deux types : une petite forme – soi-disant. une pièce de concert (appelée plus tard aussi concertino), et une grande forme, correspondant dans sa construction à un poème symphonique, traduisant en une partie les traits d'un cycle sonate-symphonie en quatre parties. Dans l'intonation K. classique et thématique. les liens entre les parties, en règle générale, étaient absents, dans le romantique. K. monothématisme, connexions leitmotiv, le principe de «par le développement» a acquis la signification la plus importante. Exemples frappants de romantisme. poétique à une voix K. a été créé par F. Liszt. Romantique. réclamation au 1er étage. Le XIXe siècle a développé un type particulier de virtuosité colorée et décorative, qui est devenue une caractéristique stylistique de toute la tendance du romantisme (N. Paganini, F. Liszt et autres).
Après Beethoven, il y avait deux variétés (deux types) de K. - "virtuose" et "symphonisé". En virtuose K. instr. la virtuosité et le concert sont à la base du développement de la musique ; au 1er plan n'est pas thématique. développement, et le principe de contraste entre cantilène et motilité, décomp. types de texture, timbres, etc. Dans de nombreux K. virtuoses thématiques. le développement est complètement absent (les concertos pour violon de Viotti, les concertos pour violoncelle de Romberg) ou occupe une position subalterne (1ère partie du 1er concerto pour violon et orchestre de Paganini). Dans le K. symphonisé, le développement de la musique est basé sur la symphonie. dramaturgie, principes thématiques. développement, sur l'opposition figuré-thématique. sphères. L'introduction de la dramaturgie symbolique chez K. est due à sa convergence avec la symphonie au sens figuratif, artistique, idéologique (concerts de I. Brahms). Les deux types de K. diffèrent par leur dramaturgie. principaux composants des fonctions: le virtuose K. se caractérise par l'hégémonie complète du soliste et le rôle subordonné (d'accompagnement) de l'orchestre; pour K. symphonisé – dramaturgie. l'activité de l'orchestre (l'élaboration du matériel thématique est réalisée conjointement par le soliste et l'orchestre), conduisant à une relative égalité de la part du soliste et de l'orchestre. Dans K. symphonique, la virtuosité est devenue un moyen de drame. développement. La symphonisation y embrassait même un élément virtuose aussi spécifique du genre que la cadence. Si chez le virtuose K. la cadence était destinée à montrer la technique. l'habileté du soliste, dans la symphonie, elle s'est jointe au développement global de la musique. Depuis l'époque de Beethoven, les compositeurs eux-mêmes ont commencé à écrire des cadences ; dans le 5e fp. La cadence du concerto de Beethoven devient organique. partie de la forme de l'œuvre.
Une distinction claire entre k virtuose et symphonique. n'est pas toujours possible. Le type K. s'est répandu, dans lequel les qualités concertantes et symphoniques sont en étroite unité. Par exemple, dans les concerts de F. Liszt, PI Tchaïkovski, AK Glazunov, SV Rachmaninov symphonique. la dramaturgie se conjugue au brillant caractère virtuose de la partie soliste. Au XXe siècle, la prédominance de la performance de concert virtuose est typique pour les concertos de SS Prokofiev, B. Bartok, la prédominance de la symphonie. qualités sont observées, par exemple, dans le 20er concerto pour violon de Chostakovitch.
Ayant eu une influence significative sur la symphonie, la symphonie, à son tour, a été influencée par la symphonie. A la fin du 19ème siècle. une variété spéciale de «concert» de symphonisme est apparue, présentée par l'œuvre. R. Strauss ("Don Quichotte"), NA Rimsky-Korsakov ("Capriccio espagnol"). Au XXe siècle, de nombreux concertos pour orchestre sont également apparus sur la base du principe de concert (par exemple, dans la musique soviétique, du compositeur azerbaïdjanais S. Gadzhibekov, du compositeur estonien J. Ryaets et d'autres).
Pratiquement K. sont créés pour toute l'Europe. instruments – piano, violon, violoncelle, alto, contrebasse, bois et cuivres. RM Gliere possède le très populaire K. pour voix et orchestre. Hiboux. les compositeurs ont écrit K. pour nar. instruments - balalaïka, domra (KP Barchunova et autres), goudron arménien (G. Mirzoyan), kokle letton (J. Medin), etc. Dans le genre musical des hiboux, K. s'est répandu dans la décomposition. formes typiques et est largement représenté dans le travail de nombreux compositeurs (SS Prokofiev, DD Chostakovitch, AI Khachaturian, DB Kabalevsky, N. Ya. Myaskovsky, TN Khrennikov, SF Tsintsadze et autres).
Références: Orlov GA, Concerto pour piano soviétique, L., 1954 ; Khokhlov Yu., Concerto pour violon soviétique, M., 1956; Alekseev A., Concerto et genres de chambre de musique instrumentale, dans le livre : Histoire de la musique soviétique russe, vol. 1, M., 1956, p. 267-97; Raaben L., Concerto instrumental soviétique, L., 1967.
LH Raaben
