Claudio Monteverdi (Claudio Monteverdi) |

Claudio Monteverdi

Monteverdi. Cantate Domino

Monteverdi défend les droits des sentiments et de la liberté dans la musique. Malgré les protestations des défenseurs des règles, il brise les carcans dans lesquels la musique s'est empêtrée, et veut qu'elle ne suive désormais que les diktats du cœur. R.Rollan

L'œuvre du compositeur d'opéra italien C. Monteverdi est l'un des phénomènes uniques de la culture musicale du XVIe siècle. Dans son intérêt pour l'homme, dans ses passions et ses souffrances, Monteverdi est un véritable artiste de la Renaissance. Aucun des compositeurs de l'époque n'a réussi à exprimer en musique le sentiment tragique de la vie d'une telle manière, à se rapprocher de la compréhension de sa vérité, à révéler ainsi la nature primordiale des caractères humains.

Monteverdi est né dans une famille de médecins. Ses études musicales ont été dirigées par M. Ingenieri, musicien expérimenté, chef d'orchestre de la cathédrale de Crémone. Il développe la technique polyphonique du futur compositeur, l'initie aux meilleures œuvres chorales de G. Palestrina et O. Lasso. Moiteverdi a commencé à composer tôt. Déjà au début des années 1580. les premiers recueils d'œuvres polyphoniques vocales (madrigaux, motets, cantates) sont publiés et, à la fin de cette décennie, il devient un compositeur célèbre en Italie, membre de l'Académie de Site Cecilia à Rome. À partir de 1590, Monteverdi a servi dans la chapelle de la cour du duc de Mantoue (d'abord en tant que membre d'orchestre et chanteur, puis en tant que chef d'orchestre). La cour luxuriante et riche de Vincenzo Gonzaga a attiré les meilleures forces artistiques de l'époque. Selon toute vraisemblance, Monteverdi pourrait rencontrer le grand poète italien T. Tasso, l'artiste flamand P. Rubens, les membres de la célèbre camerata florentine, les auteurs des premiers opéras – J. Peri, O. Rinuccini. Accompagnant le duc lors de fréquents voyages et campagnes militaires, le compositeur se rendit à Prague, Vienne, Innsbruck et Anvers. En février 1607, le premier opéra de Monteverdi, Orphée (livret d'A. Strigio), est monté avec grand succès à Mantoue. Monteverdi a transformé une pièce pastorale destinée aux festivités du palais en un véritable drame sur le destin douloureux et tragique d'Orphée, sur la beauté immortelle de son art. (Monteverdi et Striggio ont retenu la version tragique du dénouement du mythe – Orphée, quittant le royaume des morts, viole l'interdit, se retourne vers Eurydice et la perd à jamais.) « Orphée » se distingue par une richesse de moyens surprenante pour un travailler. Une déclamation expressive et une large cantilène, des chœurs et des ensembles, un ballet, une partie orchestrale développée servent à incarner une idée profondément lyrique. Une seule scène du deuxième opéra de Monteverdi, Ariane (1608), a survécu à ce jour. Il s'agit de la célèbre « Complainte d'Ariane » (« Laisse-moi mourir… »), qui servit de prototype à de nombreux airs de lamento (airs de plainte) dans l'opéra italien. (La Lament of Ariadne est connue en deux versions - pour voix seule et sous la forme d'un madrigal à cinq voix.)

En 1613, Monteverdi s'installe à Venise et jusqu'à la fin de sa vie reste au service du maître de chapelle de la cathédrale Saint-Marc. La riche vie musicale de Venise a ouvert de nouvelles opportunités au compositeur. Monteverdi écrit des opéras, des ballets, des intermèdes, des madrigaux, de la musique pour les fêtes d'église et de cour. L'une des œuvres les plus originales de ces années est la scène dramatique "Le duel de Tancrède et Clorinde" basée sur le texte du poème "Jérusalem libérée" de T. Tasso, combinant la lecture (le rôle du Narrateur), le jeu (le parties récitatives de Tancrède et Clorinde) et un orchestre qui dépeint le déroulement du duel, révèle le caractère émotionnel de la scène. À propos du « Duel », Monteverdi a écrit sur le nouveau style de concitato (excité, agité), en l'opposant au style « doux, modéré » qui prévalait à cette époque.

De nombreux madrigaux de Monteverdi se distinguent également par leur caractère dramatique et expressif (le dernier, huitième recueil de madrigaux, 1638, a été créé à Venise). Dans ce genre de musique vocale polyphonique, le style du compositeur a été formé et la sélection des moyens d'expression a eu lieu. Le langage harmonique des madrigaux est particulièrement original (comparaisons tonales hardies, accords chromatiques, dissonants, etc.). Fin des années 1630 - début des années 40. l'œuvre lyrique de Monteverdi atteint son apogée ("Retour d'Ulysse dans sa patrie" - 1640, "Adonis" - 1639, "Les Noces d'Enée et Lavinia" - 1641 ; les 2 derniers opéras n'ont pas été conservés).

En 1642, Le Couronnement de Poppée de Monteverdi fut mis en scène à Venise (livret de F. Businello d'après les Annales de Tacite). Le dernier opéra du compositeur de 75 ans est devenu un véritable sommet, fruit de son parcours créatif. Des personnages historiques spécifiques et réels y agissent - l'empereur romain Néron, connu pour sa ruse et sa cruauté, son professeur - le philosophe Sénèque. Beaucoup dans The Coronation suggère des analogies avec les tragédies du brillant contemporain du compositeur, W. Shakespeare. Ouverture et intensité des passions, contrastes tranchants, véritablement shakespeariens, scènes sublimes et de genre, comédie. Ainsi, l'adieu de Sénèque aux étudiants - point culminant tragique de l'oaera - est remplacé par un intermède joyeux d'un page et d'une bonne, puis une véritable orgie commence - Néron et ses amis se moquent du professeur, célèbrent sa mort.

« Sa seule loi est la vie elle-même », écrivait R. Rolland à propos de Monteverdi. Avec le courage des découvertes, l'œuvre de Monteverdi était très en avance sur son temps. Le compositeur prévoyait un avenir très lointain du théâtre musical : le réalisme de la dramaturgie lyrique de WA ​​Mozart, G. Verdi, M. Moussorgski. C'est peut-être pour cela que le destin de ses œuvres fut si surprenant. Pendant de nombreuses années, ils sont restés dans l'oubli et ne sont revenus à la vie qu'à notre époque.

I. Okhalova

Fils de médecin et aîné de cinq frères. Il a étudié la musique avec MA Ingenieri. À l'âge de quinze ans, il publie Spiritual Melodies, en 1587 – le premier livre de madrigaux. En 1590, à la cour du duc de Mantoue, Vincenzo Gonzaga devient altiste et chanteur, puis chef de chapelle. Accompagne le duc en Hongrie (lors de la campagne de Turquie) et en Flandre. En 1595 il épouse la cantatrice Claudia Cattaneo, qui lui donnera trois fils ; elle mourra en 1607 peu après le triomphe de l'Orphée. Depuis 1613 - un poste à vie de chef de chapelle dans la République vénitienne; la composition de musique sacrée, les derniers livres de madrigaux, des œuvres dramatiques, pour la plupart perdues. Vers 1632, il prit le sacerdoce.

L'œuvre lyrique de Monteverdi a une base très solide, étant le fruit d'une expérience antérieure dans la composition de madrigaux et de musique sacrée, genres dans lesquels le maître crémonais a obtenu des résultats incomparables. Les principales étapes de son activité théâtrale – du moins d'après ce qui nous est parvenu – semblent être deux périodes bien distinctes : celle de Mantoue au début du siècle et celle de Venise, qui tombe en son milieu.

Sans aucun doute, « Orphée » est l'expression la plus frappante en Italie du style vocal et dramatique du début du XVIIe siècle. Sa signification est déterminée par la théâtralité, une grande saturation d'effets, y compris des appels orchestraux et sensibles et des incantations, dans laquelle la récitation du chant florentin (très riche en hauts et en bas émotionnels) semble se débattre avec de nombreux inserts de madrigaux, de sorte que le chant d'Orphée est un exemple presque classique de leur concurrence.

Dans les derniers opéras de la période vénitienne, écrits plus de trente ans plus tard, on peut sentir les divers changements stylistiques qui ont eu lieu dans le mélodrame italien (surtout après la floraison de l'école romaine) et les changements correspondants dans les moyens expressifs, tous présentés et combiné avec une grande liberté dans une toile dramatique très large, voire prodigue. Les épisodes choraux sont supprimés ou considérablement réduits, ariose et récitatif sont combinés de manière flexible et fonctionnelle en fonction des besoins du drame, tandis que d'autres formes plus développées et symétriques, avec des mouvements rythmiques plus clairs, sont introduites dans l'architectonique théâtrale, anticipant la technique ultérieure d'autonomisation le langage lyrique, introduction, pour ainsi dire, de modèles et de schémas formels, plus indépendants des exigences toujours changeantes du dialogue poétique.

Cependant, Monteverdi, bien sûr, ne courait pas le risque de s'éloigner du texte poétique, puisqu'il était toujours fidèle à ses idées sur la nature et le but de la musique en tant que serviteur de la poésie, aidant cette dernière dans sa capacité exceptionnelle à exprimer sentiments humains.

Il ne faut pas oublier qu'à Venise le compositeur a trouvé une atmosphère favorable pour un livret aux intrigues historiques qui avançaient sur la voie de la recherche de la « vérité », ou, en tout cas, aux intrigues propices à la recherche psychologique.

Mémorable est le petit opéra de chambre de Monteverdi « Le Duel de Tancrède et Clorinde » sur le texte de Torquato Tasso – en fait, un madrigal dans un style pictural ; placé dans la maison du comte Girolamo Mocenigo lors du carnaval de 1624, il excita le public, « lui arrachant presque des larmes ». Il s'agit d'un mélange d'oratorio et de ballet (les événements sont représentés en pantomime), dans lequel le grand compositeur établit un lien étroit, persistant et précis entre la poésie et la musique dans le style de la récitation mélodieuse la plus pure. Le plus grand exemple de poésie mise en musique, musique presque conversationnelle, "Duel" comprend des moments impressionnants et sublimes, mystiques et sensuels dans lesquels le son devient presque un geste figuratif. Dans le finale, une courte série d'accords se transforme en un "majeur" radieux, dans lequel la modulation s'achève sans le ton conducteur nécessaire, tandis que la voix exécute une cadence sur une note non incluse dans l'accord, puisqu'à ce moment une image d'un monde différent et nouveau s'ouvre. La pâleur de la Clorinda mourante signifie la béatitude.

G. Marchesi (traduit par E. Greceanii)