Avet Rubenovich Terterian (Avet Terterian) |
Tertérien Avet
… Avet Terteryan est un compositeur pour qui le symphonisme est un moyen naturel d'expression. K. Meyer
Vraiment, il y a des jours et des moments qui, psychologiquement et émotionnellement, l'emportent sur de nombreuses années, deviennent une sorte de tournant dans la vie d'une personne, déterminent son destin, sa profession. Pour un garçon de douze ans, plus tard le célèbre compositeur soviétique Avet Terteryan, les jours du séjour de Sergei Prokofiev et de ses amis dans la maison des parents d'Avet, à Bakou, à la fin de 1941, sont devenus si courts, mais intenses . La manière de Prokofiev de se tenir, de parler, d'exprimer son opinion ouvertement, définitivement claire et de commencer chaque jour par le travail. Et puis il composait l'opéra «Guerre et paix», et le matin, les sons étonnants et brillants de la musique se sont précipités du salon, où se trouvait le piano.
Les invités sont partis, mais quelques années plus tard, quand s'est posée la question du choix d'un métier – suivre les traces de son père dans une école de médecine ou choisir autre chose – le jeune homme a fermement décidé – dans une école de musique. Avet a reçu son éducation musicale primaire d'une famille extrêmement musicale - son père, un laryngologue bien connu à Bakou, était de temps en temps invité à chanter les rôles-titres dans les opéras de P. Tchaïkovski et G. Verdi, sa mère avait une excellente soprano dramatique, son jeune frère Herman devint par la suite chef d'orchestre.
Le compositeur arménien A. Satyan, auteur de chansons très populaires en Arménie, ainsi que le célèbre professeur G. Litinsky, alors qu'ils étaient à Bakou, ont fortement conseillé à Terteryan d'aller à Erevan et d'étudier sérieusement la composition. Et bientôt Avet entre au Conservatoire d'Erevan, dans la classe de composition d'E. Mirzoyan. Au cours de ses études, il écrit la Sonate pour violoncelle et piano, primée au concours républicain et à la Revue pansyndicale des jeunes compositeurs, des romans sur des paroles de poètes russes et arméniens, le Quatuor en ut majeur, le cycle vocal-symphonique "Motherland" - une œuvre qui lui apporte un véritable succès, récompensée par le prix All-Union au Concours des jeunes compositeurs en 1962, et un an plus tard, sous la direction d'A. Zhuraitis, elle sonne dans le Hall of Colonnes.
Après le premier succès, viennent les premiers essais associés au cycle vocal-symphonique « Révolution ». La première exécution de l'œuvre fut aussi la dernière. Cependant, le travail n'a pas été vain. Les remarquables vers du poète arménien, chanteur de la révolution, Yeghishe Charents, ont captivé l'imagination du compositeur par leur force puissante, leur sonorité historique, leur intensité publicitaire. C'est alors, pendant la période d'échec créatif, qu'une intense accumulation de forces s'est produite et que le thème principal de la créativité s'est formé. Puis, à l'âge de 35 ans, le compositeur savait avec certitude - si vous ne l'avez pas, vous ne devriez même pas vous lancer dans la composition, et à l'avenir, il prouvera l'avantage de cette vue : son propre thème principal... Elle est née de la fusion des concepts – Patrie et Révolution, prise de conscience dialectique de ces quantités, dramatique de la nature de leur interaction. L'idée d'écrire un opéra imprégné des hautes motivations morales de la poésie de Charents envoie le compositeur à la recherche d'une intrigue révolutionnaire acérée. Le journaliste V. Shakhnazaryan, attiré par le travail de librittiste, a rapidement suggéré – l'histoire de B. Lavrenev «Quarante et unième». L'action de l'opéra a été transférée en Arménie, où dans les mêmes années des batailles révolutionnaires se déroulaient dans les montagnes de Zangezur. Les héros étaient une paysanne et un lieutenant des anciennes troupes pré-révolutionnaires. Les vers passionnés de Charents ont été entendus dans l'opéra par le lecteur, dans le chœur et dans les parties solistes.
L'opéra a reçu une large réponse, a été reconnu comme une œuvre brillante, talentueuse et innovante. Quelques années après la première à Erevan (1967), il a été joué sur la scène du théâtre de Halle (RDA) et en 1978, il a ouvert le Festival international de GF Handel, qui se tient chaque année dans la patrie du compositeur.
Après avoir créé l'opéra, le compositeur écrit 6 symphonies. La possibilité de compréhension philosophique dans les espaces symphoniques des mêmes images, des mêmes thèmes l'attire particulièrement. Ensuite, le ballet "Richard III" basé sur W. Shakespeare, l'opéra "Earthquake" basé sur l'histoire de l'écrivain allemand G. Kleist "Earthquake in Chile" et à nouveau les symphonies - Septième, Huitième - apparaissent. Quiconque a écouté attentivement au moins une fois une symphonie de Terteryaia reconnaîtra plus tard facilement sa musique. Elle est spécifique, spatiale, demande une attention focalisée. Ici, chaque son qui émerge est une image en soi, une idée, et nous suivons avec une attention inlassable son mouvement ultérieur, comme le destin d'un héros. L'imagerie sonore des symphonies atteint presque l'expressivité scénique : le masque sonore, l'acteur sonore, qui est aussi une métaphore poétique, et nous en démêlent le sens. Les œuvres de Terteryan incitent l'auditeur à tourner son regard intérieur vers les vraies valeurs de la vie, vers ses sources éternelles, à réfléchir sur la fragilité du monde et sa beauté. Ainsi, les sommets poétiques des symphonies et des opéras de Terterian se révèlent toujours être les plus simples phrases mélodiques d'origine folklorique, interprétées soit par la voix, l'instrument le plus naturel, soit par des instruments folkloriques. C'est ainsi que sonne la 2ème partie de la Deuxième Symphonie – une improvisation monophonique de baryton ; un épisode de la Troisième Symphonie – un ensemble de deux duduks et deux zurns ; la mélodie du kamancha qui imprègne tout le cycle de la Cinquième Symphonie ; dapa party dans le Septième; au sixième sommet, il y aura une chorale, où au lieu de mots, il y a les sons de l'alphabet arménien "ayb, ben, gim, dan", etc. comme une sorte de symbole d'illumination et de spiritualité. Les symboles les plus simples, semble-t-il, mais ils ont une signification profonde. En cela, le travail de Terteryan fait écho à l'art d'artistes tels que A. Tarkovsky et S. Parajanov. De quoi parlent vos symphonies ? les auditeurs demandent à Terteryan. « À peu près tout », répond le compositeur, laissant à chacun le soin d'en comprendre le contenu.
Les symphonies de Terterian sont jouées dans les festivals de musique internationaux les plus prestigieux – à Zagreb, où se tient chaque printemps une revue de musique contemporaine, à l'« Automne de Varsovie », à Berlin-Ouest. Ils sonnent aussi dans notre pays – à Erevan, Moscou, Leningrad, Tbilissi, Minsk, Tallinn, Novosibirsk, Saratov, Tachkent… Pour un chef d'orchestre, la musique de Terteryan ouvre la possibilité d'utiliser très largement son potentiel créatif en tant que musicien. L'interprète semble ici être inclus dans la co-écriture. Un détail intéressant: les symphonies, en fonction de l'interprétation, de la capacité, comme le dit le compositeur, à «écouter le son», peuvent durer des temps différents. Sa Quatrième Symphonie a duré à la fois 22 et 30 minutes, la Septième – et 27 et 38 ! Une telle collaboration active et créative avec le compositeur comprenait D. Khanjyan, un merveilleux interprète de ses 4 premières symphonies. G. Rozhdestvensky, dans la brillante interprétation de laquelle la Quatrième et la Cinquième ont été sonnées, A. Lazarev, dans l'interprétation duquel la Sixième Symphonie sonne de manière impressionnante, écrite pour orchestre de chambre, chœur de chambre et 9 phonogrammes avec un enregistrement d'un grand orchestre symphonique, clavecins et cloche carillons.
La musique de Terteryan invite aussi l'auditeur à la complicité. Son objectif principal est d'unir les efforts spirituels du compositeur, de l'interprète et de l'auditeur dans une inlassable et difficile connaissance de la vie.
M. Rukhkyan
